John Basilone: O herói de Guadalcanal e, até hoje, um dos fuzileiros navais mais reverenciados da História. É o nascimento do arquétipo de Rambo.

por Wikerson Landin,
do Portal de Cinema.

Não importa o lado ou o motivo: não há vencedores em uma guerra. Mesmo o mais importante dos atos de bravura ainda soa como uma atitude covarde diante da morte inexplicável e cruel de um ser humano apenas porque as cores de farda são distintas.

A reflexão que o segundo episódio de The Pacific traz ao público contrasta, ao menos em termos visuais, comas pesadas cenas de batalha apresentadas no episódio “Basilone”. Seguindo a mesma linha do episódio anterior, o capítulo é iniciado com a narrativa de ex-combatentes da Segunda Guerra e o que vemos em seguida é a dramatização de aspectos dos seus depoimentos.

Estamos em outubro de 1942 e a chegada de novas tropas à ilha contrasta ainda mais com a situação atual dos fuzileiros. Sua comida é parca e insuficiente, as armas e munições são da pior qualidade. Ao perceber o quão melhor estão equipados os novos soldados a revolta é imediata o que cria uma cisão entre os dois grupos.

Enquanto isso, os soldados japoneses intensificam os seus ataques noturnos, tornando cada missão um verdadeiro inferno. Sob fogo cerrado e contra probabilidades adversas o sargento John Basilone (Jon Seda) se destaca e é o primeiro do grupo a receber uma indicação para uma medalha.

Se por um lado a sobrevivência dos fuzileiros diante de um ataque kamikaze é vista como um ato de heroísmo pelos demais integrantes do exército, por outro o roteiro do episódio faz questão de deixar claro que, apesar da “vitória” nada parece justificar ou ter importância diante da morte em combate de alguns dos integrantes do batalhão.

Em contraposição ao grupo que está nas Ilhas Salomão, acuado e sem saber ao certo o porque de todo aquele caos, a trama pontua mais algumas nuances da vida de Eugene Sledge (Joseph Mazzello). Filho de um médico e com um dos seus irmãos em combate, o jovem precisa lutar contra a frustração de não poder servir devido a um problema cardíaco.

A partir de um novo exame, ele constata que o sopro que tinha no coração desapareceu e, mesmo contrariando seus pais, volta todas as suas forças para o alistamento. Essa dualidade entre aqueles que estão no campo de batalha sonhando com volta e aqueles que estão longe querendo entrar em combate, ressalta de maneira envolvente o sentimento de patriotismo, razão única para a entrada em um combate onde o inimigo é desconhecido.

Com um primeiro episódio mais focado na ação, o segundo ainda dedica boa parte aos aspetos mais visuais da guerra, mas já permite um olhar mais aprofundado em alguns dos personagens, além de proporcionar uma ótima reflexão em um curto espaço de tempo. Definitivamente, a aposta de The Pacific parece ter sido a de um começo impactante para colocar o espectador exatamente na posição dos soldados: heróis de uma guerra com objetivo de luta ainda incerto.

A série The Pacific estreou com uma imensa expectativa em torno de si nos Estados Unidos. Desenvolvida pela mesma equipe criadora do sucesso Band of Brothers, a produção mais uma vez ficou a cargo de Steven Spielberg e Tom Hanks. O resultado é a série mais cara da história, com orçamento estimado em US$ 230 milhões.

Por Wikerson Landin,
do Portal de Cinema.

The Pacific acompanha um trágico momento da Segunda Guerra Mundial, mais especificamente os fatos que se desenrolaram a partir do ataque japonês à base norte-americana de Pearl Harbor, num evento que ficou conhecido como “uma data infame” para os Estados Unidos. Até então, aquela era a primeira que alguém havia ousado atacar em solo americano.

Os acontecimentos são contados do ponto de vista de três soldados, todos ainda vivos e que aparecem logo no início do primeiro episódio dando os seus depoimentos. O que vemos a partir de então é uma dramatização dos fatos. Guadalcanal/Leckie deixa de lado as já conhecidas imagens do ataque japonês e inicia a narrativa já nos preparativos para a ofensiva norte-americana.

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O grupo de soldados parte então para aquela que ficaria conhecida como a Batalha de Guadalcanal. Sem saber ao certo para onde estavam indo e nem porque deveriam lutar, a disputada travada no arquipélago das Ilhas Salomão contra os japoneses, representou a primeira vitória dos Aliados, marcando um ponto de virada na guerra.

O primeiro episódio mostra a chegada do grupo de soldados à ilha, em imagens muito similares as já exibidas em filme como O Resgate do Soldado Ryan. O destaque aqui fica por conta das violentas cenas de embate, pouco comum em séries televisivas. A reconstituição dos cenários da época é um trabalho primoroso que fica ainda mais evidente se compararmos as imagens da ficção com fotos da época.

Outros aspectos que merecem destaque são a fotografia e a direção de arte. A primeira, além de garantir a transição de um visual mais ameno para um aspecto sombrio após as primeiras batalhas, utiliza muito bem o recurso de reconstituição da época explorando em seus planos os mesmos ângulos de conhecidas imagens disponíveis. Já a direção de arte garante uma abertura belíssima, com sequências que plasticamente parecem sugerir a pintura de um quadro da época.

Assim como Band of Brothers é considerada até hoje uma das melhores minisséries já exibidas na Tv norte-americana, The Pacific em seu primeiro episódio inicia uma trilha pelo mesmo caminho. Porém, diferente da série anterior, em que a ação propriamente dita ficava reservada para o final do segundo e início do terceiro episódio, aqui são precisos pouco mais de trinta minutos para estarmos em meio à guerra.

Resta saber como será o desenvolvimento dos personagens nos próximos episódios, já que a ambientação, e consequentemente a rápida identificação do público com algum dos atores principais torna-se mais difícil. Em verdade, o primeiro episódio presume que o processo ocorrerá ao longo da série. É esperar para ver, mas sem dúvida não deixa de ser um começo promissor.

A Estrada, adaptação da obra de Cormac McCarthy questiona limites, debate a essência e mostra tudo que Hollywood esconde com seus finais felizes para filmes apocalípticos. Menos intenso que o livro, mas tão relevante quanto.

Especular um eventual fim do mundo não apresenta grandes dificuldades para Hollywood. O formato está bem definido: encontre uma provável causa, defina os personagens cientes da calamidade, invente soluções mirabolantes, tudo regado a muita velocidade e heroísmo, e aperte o Play. Tradicionalmente, essa construção gera um perigo catastrófico, mas, claro, permitindo ao mocinho – e sua família – uma saída dramática. Vive-se a tensão de margear o precipício sabendo da inevitabilidade do braço salvador no instante derradeiro. E tudo acaba bem. Essa situação previsível deixa de existir quando se busca inspiração na literatura, ou melhor, nas construções literárias corajosas como A Estrada (The Road), que rendeu a Cormac McCarthy o prêmio Pullitzer. É o clímax anti-hollywoodiano, concluindo uma narrativa despreocupada com a receptividade do público ou os efeitos especiais.

Um homem caminha pela estrada. Está sujo, barba por fazer, e empurra um carrinho de supermercado. Seu filho caminha a seu lado. Tão sujo quanto o pai, carrega uma mochila. Eles caminham. O mundo é cinzento, nublado e melancólico. Nada de cometa a caminho da Terra. O fim já aconteceu. E eles são o que restou. Esse é o ambiente da versão cinematográfica de A Estrada , dirigida pelo australiano John Hillcoat, um filme modesto se comparado a sua abrangência social e relevância mundial, mas estrelado por Viggo Mortensen e com participações bem-vindas de Robert Duvall, Charlize Theron e Guy Pearce, que estréia no dia 16 de abril no Brasil, em circuito limitado, claro.

Por uma razão não revelada nem pelo livro nem pelo filme, o planeta morreu. Sem recursos, os últimos sobreviventes humanos limitam-se a sobreviver. Viggo e seu filho são bons moços. “Carregam a chama”, como o pai resume suas escolhas, e vivem de sobras de um mundo já saqueado e esgotado. Acostumados à fome, seu maior problema são os parcos, mas letais, grupos – ou gangues tribais – de homens que vagueiam a procura de alimento: carne humana é o único disponível.

Sem esperanças, o pai dedica cada segundo de sua vida para manter o filho vivo. Seu sofrimento, tanto emocional quanto físico, questiona valores sociais e morais a todo instante. E isso se vê nos detalhes e indagações. Comer ou guardar para mais tarde? Acompanhar essa dupla faz pensar no exagero e desperdício da sociedade moderna. Impossível olhar para um prato de comida da mesma maneira depois de ler o livro, principalmente. O filme, por ser obrigatoriamente mais resumido, deixa tais dilemas num segundo plano próximo dando preferência à questão da sobrevivência desproposital. Para onde ir quando não há lugar seguro ou habitável?

Fala-se pouco na estrada. Medo e solidão caminham ao lado dos protagonistas desse mundo onde Estado e Deus falharam. Viggo aparece transformado nesse sujeito surrado, Duvall surge como velho cego e tão desesperançoso quanto o pai, Theron perde as esperanças, o garoto cresce com histórias de um mundo que não conheceu e sonha. A Estrada tem seu próprio ritmo, sem compromissos com gêneros ou sucesso de público. É um daqueles filmes necessários, que vira referência, mas pouca gente vê no cinema. Também pudera, Hollywood costuma entregar esperança e agilidade. A Estrada é hiperrealista, mas não pessimista, pois prega uma dinâmica diferente. São outras regras. Sobreviver o máximo possível é tudo que importa.

O livro já inspirou muita gente. Muito dele foi inserido em O Exterminador do Futuro: A Salvação, assim como no recente O Livro de Eli. Entretanto, essas duas histórias mostram uma luz no fim do túnel. A Estrada é uma rota direta para a escuridão, do corpo e da alma. Ficção? Sim. Porém, um retrato peculiar para um desfecho nem mesmo contemplado por teóricos ou fanáticos religiosos. Com a evolução tecnológica e as novas gerações informatizadas, acreditar num futuro próximo da Matrix é mais viável do que a ausência de vida de A Estrada, mas, como sempre, é questão de referencial e de identificação.

Acompanhar essa trajetória confronta dogmas pessoais e egocêntricos muito enraizados no homem moderno. A maioria dos religiosos norte-americanos, por exemplo, acredita no apocalipse bíblico enquanto estiverem vivos. Ou seja, para a vida ter sentido, os grandes eventos da Humanidade precisam acontecer perante seus olhos. A simples ausência de esperança ou fé espiritual é um argumento poderoso e eficaz, especialmente se imerso num mundo condizente com essa realidade. Gritar aos ventos no meio da Avenida Paulista, hoje em dia, não funciona. Pensar nisso quando humanos canibais vagueiam entre as árvores mortas e estradas abandonadas faz sentido.

O homem é aquilo que ele imagina. Quando imaginar deixa de ser possível ou viável, pouco sobra do ser sofisticado da atualidade. Caminhar por essa estrada é algo duro, mas proveitoso e reflexivo para os de coragem suficiente. Enfrentar seus medos debaixo das cobertas e com uma geladeira cheia não é nada se comparado a fazer o mesmo olhando para o fim do mundo mostra as verdadeiras fronteiras de cada um.

Por Fábio M. Barreto,
de Los Angeles

Publicado originalmente na Sci-Fi News.

Oops!

Festival de incertezas e liberdades poéticas (!) marcam o primeiro fiasco do ano no reino dos blockbusters. Fúria de Titãs já seria um filme com problemas, mas a conversão para o 3D deu o golpe de misericórdia.

por Fábio M. Barreto,
de Los Angeles

Hollywood entende muito bem sua relação com algumas temáticas como o judaísmo, a guerra e o romance. Construiu impérios explorando essa fórmula, mas sempre deixou claro seus pontos vulneráveis: Ficção Científica e Mitologia. A FC tem sua dinâmica e, felizmente, consegue se manter graças a gigantescas bilheterias e tem vida fora do sistema dos estúdios. Lunar é o último grande exemplo. Já a Mitologia não tem tanta sorte. Recentemente, os estúdios tentaram extirpar a magia de suas narrativas para apresentar personagens mais “reais”, ou então buscaram paralelos adolescentes com Harry Potter – a prova máxima de que magia e cinema funcionam. Vale tudo, afinal, não passam de mitos e, como Mitologia é a religião dos outros [e antigos, nesse caso], a liberdade é total. Arma poderosa nas mãos de quem entende e tem certeza de sua narrativa, a liberdade se transforma em tragédia quando mal utilizada. É o caso de Fúria de Titãs (Clash of the Titans, 2010, Warner Bros.), dirigido pelo fraco Louis Leterrier (O Incrível Hulk), que, mesmo repleto de Mitologia, se mostra inseguro e confuso até na hora de contar a história de amor desse mito.

Nada funciona. Começando pelo mais óbvio: a conversão para o 3D, feita na última hora [em 8 semanas]. Sem apelo dramático e empregado pela simples tentativa de fazer fortuna com a onda do formato, o 3D assombra de maneira literal por causa do ghosting [os personagens e elementos convertidos se destacam em primeiro plano, mas também continuam no segundo plano, ou seja, o que se vê são pessoas com mais profundidade e com fantasmas/sombras de si mesmas as seguindo]. Incomoda e tira a atenção; tudo que não se espera de uma ferramenta que, teoricamente, deveria ajudar.

O mesmo vale para a liberdade poética do roteiro – que teve 4 versões, envolvendo 12 roteiristas diferentes e cuja versão final foi assinada por três pessoas diferentes – na adaptação da história de Perseu e Andrômeda [Alexa Davalos, de A Batalha de Riddick]. Essa é uma das histórias de amor mais pontuais da Mitologia Grega, cuja versão romanceada prevê que o amor de Perseu pela princesa condenada a ser devorada pelo Kraken [uma lula gigante chamada Cetus, no mito] e também sua devoção pela mãe [no mito original] o motiva a desafiar a Medusa e a ira de Poseidon.

Compreender a relação dos gregos antigos com os deuses do Olímpo se faz fundamental nesse momento. Cientes da existência dos deuses, que, por vezes, caminhavam entre os mortais e tinham filhos [Hércules e Perseu são os mais conhecidos] com mulheres e ninfas, o povo tinha suas preces atendidas, depois de muita idolatria, claro. Por conta disso, a rebelião de Argos [hilariamente grafada como Athos em várias ocasiões no Los Angeles Times] contra suas deidades. Tudo isso exagero dos surtos egocêntricos de Cassiopéia, mãe de Andrômeda, que era tão orgulhosa da filha e a declarou mais bela que as filhas de Poseidon. Como com os deuses não se brinca, ele decidiu punir seu reino [habitualmente chamado de Ethiópia, mas sem relação com a nação africana; Joppa no filme original]. No roteiro do novo Fúria de Titãs, os humanos queimam os templos e destroem as estátuas dos deuses. Querem o início da Era dos Homens e, tal qual os numenorianos de Tolkien, deveriam encontrar apenas a ruína por seu desafio e descrença. Númenor não tinha semideuses, a Grécia Antiga sim.

Mas, enquanto o Perseu adolescente de Percy Jackson se transforma no sujeito mais convencido e imbuído de sua natureza dêitica quando descobre ser filho de Poseidon [no filme], o Perseu do novo Fúria de Titãs renega ainda mais sua paternidade. Ele tem um papel social a exercer nessa sociedade envolvida diretamente com os deuses, mas o personagem de Sam Worthington se comporta como um adolescente moderno ao tentar resolver tudo com as próprias mãos, ou seja, sem ajuda dos deuses. Não aceita os presentes enviados por Zeus (uma espada e o cavalo Pégasus, que, nessa versão, é um garanhão negro) e não perde a chance de dizer que vai resolver o problema “como um homem”, mas demora para perceber a inevitabilidade de seu destino. Ele não tem um botão que desligue suas habilidades. Não é à toa que é o único capaz de decepar a cabeça da Medusa.

A birra praticamente adolescente quebra o encanto da história e desmerece suas intenções. Ele não faz pelo povo, nem pela princesa – com quem não tem contato algum – mas sim para provar que pode. É a essência do ‘herói moderno’ revisitado à exaustão desde o Neo, de Matrix. Seus talentos contra o mundo, sua própria fé quebrando barreiras enquanto soldados e civis morrem aos montes ao seu redor. É o pior uso já registrado da Jornada do Herói. Perseu não cresce, se mantém monotemático e sempre no mesmo tom, ao longo da trama. Cumpre seu destino muito a contragosto. E se nem o personagem principal está contente com a história, como agradar ao público?

Li uma versão anterior do roteiro [a segunda], cuja figura de Perseu era uma figura mais militarizada e não o pescador do filme final. Daí entende-se a disparidade de idéias que pontuaram essa produção que, colocada na mão de um diretor de aluguel e sem a menor identidade, atirou para todos os lados. Há disparidade mitológica, dramática e visual, além da inconsistência provocada pelo 3D [que se comportava da pior maneira possível sempre que tinha uma oportunidade]. Perseu é semideus, Zeus e Hades são deuses e o Kraken é um monstro marinho controlado originalmente por Poseidon [no filme, Hades é seu mestre]. Não há nenhum Titã presente [no clássico de 1981 Thetis estava presente, em intepretação de Maggie Smith]. As diferenças são tantas que fazem questionar ainda mais a escolha do termo “remake” para essa produção. Desnecessário e improdutivo, afinal, comparar é inevitável.

Enquanto a fantasia romântica de 81 apostava na história de amor, definia Perseu como o bom moço e Calibos como vilão [deformado, castigado pelos deuses, dedicado à ruína do herói], a nova versão não define suas barreiras. Por vezes são os deuses exigentes, noutras são os homens egocêntricos, mas mesmo os soldados que desafiam Zeus acreditam em sua força. Não é questão de fé, mas sim de medir forças. Tarefa inglória, mas popular nessa Argos com ares de Sodoma e Gomorra. Outra linha de raciocínio é uma jogada de mestre de Zeus para conter o ímpeto de Hades, eternamente insatisfeito com seu lugar no Mundo Inferior.

Não há Titãs, assim como na versão original. Entretanto, uma menção: o Kraken teria dizimado os Titãs em batalha. Nenhuma referência histórica ou mitológica, basicamente um elemento para aumentar o medo da criatura com a qual Perseu não chega a lutar, afinal, apenas a cabeça da Medusa pode derrotá-lo. Além da mulher serpente, o herói enfrenta escorpiões gigantes em batalhas sem emoção [saudade de Ray Harryhausen nessa hora, aliás] e confusas; e encontra até mesmo Gênios, em mais uma versão sombria e mística dessa figura mitológica [cujo rosto lembra, e muito, um mini-Optimus Prime].

Pouco se salva dessa cornucópia de referências e conceitos jogados a esmo. Liam Neeson se esforça como Zeus, mas só prova que é possível fazer um filme dos Cavaleiros do Zodíaco; os demais deuses do Olimpo são meros figurantes. No que deveria ser um dos melhores momentos – o embate entre Zeus e Hades, pairando no topo do mundo – o roteiro exige pouco de Neeson e Ralph Fiennes. A presença de grandes nomes foi herdada o filme de 1981, que tinha Laurence Olivier como Zeus e Maggie Smith como Thetis e Ursula Andress como Afrodite.

Fúria de Titãs tenta ser grandioso que deixa de ter essência. Falta carisma a Perseu, falta relevância no roteiro, falta um inimigo verdadeiro. Hades é imortal e o Slusho [monstro do Cloverfield], ou melhor Kraken, tem destino certo. É uma jornada injustificada. Um fracasso titânico. Um vexame em 3D.

Felizmente, também entra em cartaz The Secret of Kells, animação irlandesa indicada ao Oscar de Melhor Animação, que aborda mitologia e espiritualidade do jeito certo. Há salvação, mas longe de Hollywood.

Fúria de Titãs estréia no Brasil em 21 de maio.

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Assista em 2D.

Em 1977, Guerra nas Estrelas e Contatos Imediatos do Terceiro Grau concorreram ao Oscar de Melhor Diretor. Mesmo perdendo para Woody Allen, George Lucas e Steven Spielberg registraram a primeira dobradinha da Ficção Científica na disputa. Trinta e três anos depois, o fenômeno se repete – claro, graças à expansão do número de indicados: Avatar, de James Cameron, e Distrito 9, de Neill Blomkamp, estão no páreo. Para completar o quadro, Quentin Tarantino entra na dança com sua História Alternativa de Bastardos Inglórios. Sem contar as indicações técnicas para Star Trek e Coraline e o Mundo Secreto disputando Melhor Animação. É o Oscar da Ficção Científica e da Fantasia. Os benefícios são claros para um gênero assumidamente odiado pela Academia e, normalmente, tratado como subproduto cinematográfico. Entretanto, tudo depende de uma coisa: a vitória de Avatar na categoria principal.

*artigo publicado ANTES do anúncio dos vencedores do Oscar, na Sci-Fi News.

Por Fábio M. Barreto,
de Los Angeles

Avatar é o Melhor Filme do Oscar 2009. Ou pelo menos deveria ser. Razões não faltam para a nova coroação de James “Rei do Mundo” Cameron; e nenhuma delas é inócua. Entretanto, a disputa dessa categoria extrapola a mera qualidade técnica nessa edição do evento que continua sofrendo com problemas na audiência e, de forma arriscada e benéfica, ampliou a quantidade de concorrentes. Com mais filmes de sucesso envolvidos, mais gente se interessa pela premiação, logo, mais televisores ligados. Além disso, as dez vagas permitem menos injustiças como a inexplicável não indicação de O Cavaleiro das Trevas no ano passado. É a Academia mostrando desejo para se modernizar e – antes tarde do que nunca – reconhecer boas realizações no reino dos blockbusters. A escolha entre Avatar, Guerra ao Terror e Amor Sem Escalas [os verdadeiros concorrentes nessa briga] vai definir muito mais que o filme do ano. Na verdade, os membros da Academia vão eleger seu novo modo de pensar e compreender os concorrentes daqui para a frente; ou seja, vão escolher entre continuar buscando apenas a melhor mistura da fórmula “roteiro, história e caracterização” ou também vão levar em conta a influência comercial e relevância popular do Melhor Filme.

Uma escolha parecida precisou ser tomada nas últimas eleições presidenciais norte-americanas, quando votar em Barack Obama representava apostar no futuro e na mudança, enquanto apoiar John McCain significava a manutenção do status quo político. Traduzindo em termos cinematográficos, a vitória de Avatar vai revitalizar os conceitos da Academia. Se Guerra ao Terror ou Amor Sem Escalas vencerem, nos veremos diante de um novo período regido por dramas sérios. Mera questão de posicionamento, afinal de contas, cada um desses três filmes merece a estatueta com louvores.

Avatar tem mais de 2 milhões de vantagens por conta da bilheteria recorde mundial. Nos Estados Unidos, faturou mais de US$ 600 milhões, cerca de 30% de seu faturamento total. Tudo isso em menos de dois meses, período em que liderou as bilheterias de forma absoluta não sendo ameaçado nem mesmo pelo Sherlock Holmes de Robert Downey Jr. Sucesso comercial irreparável, porém é o critério cinematográfico que faz de Avatar o virtual vencedor da competição: há pelo menos dez anos não se via um filme capaz de mudar o modo de se fazer cinema e, claro, sua relação com o público. É o famoso “game changer”, um evento capaz de mudar as regras do jogo.

A combinação entre tecnologia de captura de performance e 3D redefiniu o futuro da cinematografia de maneira incisiva. Antes de Avatar, esse tipo de técnica impressionava, mas sua influência tinha abrangência limitada e não impedia outros cineastas de tentar inventar suas próprias tecnologias. Foi o caso do Gollum de Peter Jackson, que apontava um caminho promissor, mas não impediu Robert Zemeckis de seguir outro caminho com animação em A Lenda de Beowulf. Assim como o bullet time de Matrix gerou inúmeras cópias. Entretanto, Avatar não permite espaço para dúvidas justamente por beirar a perfeição.

Isso acontece pela mudança na relação entre filme e público. Tradicionalmente, os filmes de ficção científica e fantasia criam mundos maravilhosos como a Terra-Média ou Tatooine, mas a natureza plana da imagem os mantém distantes do público. É bonito, mas nitidamente construído para causar aquela impressão. Pandora é diferente, pois é um lugar tão “real” quanto uma visita à floresta mais próxima. O cinema abandonou a esfera do efeito visual para a realidade simulada, tanto para personagens quanto para cenários. Esse é seu maior mérito e, sem dúvida, o mais longevo.

Pelos critérios oficiais de avaliação, Avatar fica devendo em originalidade da história, tanto é que seu roteiro não foi indicado. Mesmo totalmente relevante e influente, sua trama é mais uma releitura das mitologias heróicas e da grande história da raça humana. Essa discussão, porém, transcendeu os cinéfilos e tomou grandes proporções criando grandes grupos de defensores e detratores. Comparações com a trajetória de John Smith, de Pocahontas, e o tenente Dunbar, de Dança com Lobos, municiaram aqueles que odiaram; enquanto conceitos ecológicos e inspiradores abasteceram o outro lado. Esse cenário criou outro ponto positivo para Avatar, pois permitiu ao cinema demonstrar novamente sua relevância nas discussões do grande público, algo dificilmente provocado por um blockbuster.

É a junção de todos esses elementos que faz de Avatar o filme merecedor do prêmio:
- Revitalizou o formato comercial bem no meio da crise provocada pelo fantasma da pirataria; com a tecnologia 3D, a maior parte dos espectadores correu para os cinemas resultando nos mais de US$ 2 bilhões de faturamento, contra os aproximados US$ 500 milhões de orçamento [número extra-oficial];
- Reinventou a “experiência cinematográfica”, ao garantir realismo a algo anteriormente apenas exótico e curioso;
- Mudou os conceitos cinematográficos ao entregar um novo jeito de fazer filmes – há produtores que apostam nesse sistema para reduzir os custos de filmagem, por exemplo, então se criar um cenário com essa riqueza de detalhes pode se encaixar como uma luva nessa situação; É o nascimento de uma nova linguagem.
- Reintroduziu o debate sobre a qualidade de um filme no dia a dia dos espectadores;
- Lembrou Hollywood que, com ou sem crise, essa é uma das indústrias mais rentáveis e influentes do mundo.

Mais algum dos concorrentes consegue reunir tantos marcos tecnológicos, comerciais e históricos como esse? Não. Logo, premiar é inevitável, a não ser que se queira passar uma forte mensagem. Entretanto, isso já aconteceu com O Retorno do Rei, escolhido não necessariamente por ser o melhor filme do ano, mas pelo conjunto da obra gigantesca da Trilogia do Anel de Peter Jackson. E o Oscar precisa aumentar, e manter, o nível de interesse público por sua cerimônia. Para alguns, consagrar Avatar é um mal necessário, para outros, nada mais que justiça por uma trajetória de sucesso e competência.

ALIENÍGENAS E SOLDADOS

Os outros dois filmes de FC&F envolvidos na disputa por Melhor Filme são experiências menos modificadoras que Avatar, fazem por merecer a indicação. Distrito 9 foi a surpresa do ano ao maximizar seu desempenho sem ter orçamento milionário e nenhuma estrela em seu elenco. Custou US$ 30 milhões e faturou pouco mais de US$ 200 milhões em todo o mundo, mas, acima de tudo, reintroduziu a ficção científica social de modo simples. São os três S de Distrito 9: Surpreendente, Simples e Sem Famosos. Sua presença entre os dez melhores do ano é indício de que a Academia decidiu, pelo menos, reconhecer certos fenômenos. No caso desse filme, sucesso comercial coincide com qualidade técnica e também em termos de história, tanto é que Distrito 9 também disputa a estatueta de Melhor Roteiro Adaptado.

Caso diferente enfrenta Bastardos Inglórios, de Quentin Tarantino. Fossem cinco os indicados, sem dúvida, essa História Alternativa sobre a Segunda Guerra Mundial estaria entre os indicados. Porém, exceto por Christoph Waltz, que já venceu o Globo de Ouro e só perde o Oscar de Melhor Ator Coadjuvante caso uma bomba atômica caia em Los Angeles, Bastardos ficará de fora. Não se trata de injustiça, mas de azar de Tarantino, por concorrer com James Cameron, Kathryn Bigelow e Jason Reitman tanto em Melhor Filme quanto Melhor Diretor. Mas há um consolo, chegou mais longe que outros ícones da cinematografia como Blade Runner e 2001 – Uma Odisséia no Espaço, que sequer foram indicados à categoria principal, mas nunca deixaram de influenciar.

Ganhando ou não, esses filmes fazem a sua parte gerando receita, provocando discussão e dando voz ao gênero; por outro lado, o Oscar garante o glamour, promove exposição midiática e popular e eleva as obras a postos inesquecíveis. E, nesse ano, tudo isso vai acontecer em meio a esse cenário improvável: com destaque para extra-terrestres, planetas alienígenas, armas esquisitas e guerras que não aconteceram. É o melhor momento já visto pela Ficção Científica nos holofotes de Hollywood.

Seguro dizer que, de uma vez por todas, o gênero que sempre encheu de dinheiro os bolsos dos estúdios deixou de aparecer de forma pontual nas premiações e se torna uma constante. Muito por isso graças às novas tecnologias, que permitem aos diretores criarem efeitos menos chamativos e, assim, despistar os críticos sedentos por razões para reprimir fantasias mal-feitas, por exemplo. Com toda essa exposição e discussão sobre o papel da Ficção Científica no cinema, é de se esperar novas ondas de consumo direcionado nos Estados Unidos e as editoras celebraram da mesma forma que os estúdios de cinema. No Brasil, exceto pela injeção de ânimo aplicada pela recém-chegada Editora Draco, os lançamentos continuam parcos e sem investimento em novos talentos nacionais [por investimento entenda um lançamento decente, acima das 1.000 cópias tradicionais que, invariavelmente, encalham]. O momento é bom. FC deixou de ser subproduto e tomou seu lugar no mainstream. Só não aproveita quem não quer.

Distante de sua especulação fantasiosa e ultratecnológica, cinema e literatura de ficção científica enxergam um futuro sombrio ultimamente. Não importa se haverá máquinas controladoras ou desertos desolados pela guerra nuclear, o fim inexorável da raça humana é tema constante nas produções do gênero, entre elas O Livro de Eli, com Denzel Washington, e o recente A Estrada, com Viggo Mortensen. É o reflexo do terror. E do medo.

Por Fábio M. Barreto,
de Los Angeles

Uma nova Era da Humanidade começou em 11 de Setembro de 2001 e seus efeitos estão muito longe de se esgotar, especialmente nas mentes de roteiristas e escritores norte-americanos. Enquanto George Orwell e diversas gerações de mentes criativas, no máximo, imaginaram o fim da sociedade nas mãos de governos ou corporações ultracontroladores, a geração atual acredita no nada. Alguns enxergam possibilidades de reconstrução ou reinvenção da raça, porém, bradam em uníssono: o apocalipse armamentista é inevitável. É a visão de uma nação mergulhada em guerras há 30 anos, atacada em seu âmago e desconfiada de qualquer outro país. E, assim como o escorpião, quando se ver efetivamente acuado – seja por paranóia interna ou algum inimigo externo – pode provocar uma catástrofe. Alan Moore acredita num momento de caos para recriar algo melhor; Cormac McCarty enxerga o fim definitivo; canais de TV gastam fortunas em especiais tentando antecipar a trajetória decadente que levaria ao fim; enquanto os irmãos Hughes e Denzel Washington acreditam em segundas chances e no poder da religião, em seu O Livro de Eli, que estréia hoje nos cinemas.

O cinema sempre apontou como canal perfeito para a divulgação desses conceitos, por causar assombro e maneira mais fácil. Mad Max, Equilibrium, Matrix, O Dia Seguinte, O Exterminador do Futuro são apenas alguns exemplos. Entretanto, tanto a incidência quanto a gravidade desses cenários na produção intelectual da última década disparou, assim como seu formato mudou. Nas décadas de 50 e 60, o medo do Apocalipse atômico criava a necessidade de se saber quem seria o vilão capaz de aniquilar a Terra: americanos ou soviéticos? Hoje em dia não se procura um culpado, apenas aceita-se a alta probabilidade desse desfecho soturno.

Um pouco disso é visto em O Livro de Eli. Houve guerra. Extermínio em massa. Falência do Estado. Mas nada se sabe, apenas resquícios na paisagem – gigantescas crateras – e uma população de sobreviventes divididos entre cegos afetados pelas explosões e novas gerações acostumadas a uma civilização desprovida de tecnologia e vivendo das sobras do que outrora foi nossa sociedade. Muda-se o cenário, mas não as pessoas. Ainda há luta pelo poder, representada por Gary Oldman e sua obstinação por encontrar um livro; e fé numa segunda chance, centralizada em Denzel Washington, Eli, um sobrevivente numa missão messiânica em direção ao Oeste.

“As grandes histórias ainda tem lugar na literatura. O fato de eu e você ainda lermos já justifica a existência dos livros”, comenta Denzel Washington, em entrevista exclusiva à Sci-Fi News/SOS Hollywood, em Los Angeles. Descontraído e simpático, o ator não teve problemas em dizer que aceitou esse papel por conta de seu filho, John David, que se apaixonou pelo aspecto espiritualístico e acabou trabalhando como produtor no longa. “Mas há uma coisa que afeta as pessoas muito mais que 11 de Setembro: o ego! Afinal, o que nos faz pensar que o mundo vai acabar durante o nosso período de vida nesse planeta? Cada um enfrenta seu próprio apocalipse quando morre, então, por alguma razão maluca queremos vivenciar isso lendo ou assistindo a um filme”.

É um modo de tentar compreender essa nova dinâmica, a realidade do terrorismo e a incerteza de um mundo melhor. Nesse contexto, filmes com temática ecológica ou positivista acabam relegados ao segundo plano como utópicos. Wall-E se arriscou e até a extinta New Line tentou com o mal recebido Mimzy, mas a glória atual está reservada aos “gênios” capazes de levar o mundo cyberpunk ou alguns pedaços do Velho Testamento para as telas. Em alguns casos, até ultrapassam essa barreira, como é o romance vencedor do Pullitizer e também filme, A Estrada, de Cormac McCarthy, previsto para estrear em maio, no Brasil. Nesse futuro, não há salvação, livro místico ou colônia de sobreviventes esperando a chance de um novo começo. O Klaatu de Keanu Reeves definiu essa situação perfeitamente: se os humanos sobreviverem, a Terra morre; se os humanos morrem, a Terra sobrevive. McCarthy matou o planeta. O que resta é um retrato cru e desagradável da natureza humana. “É incômodo, mas ao mesmo tempo produtivo pensar nisso; imaginar essas pessoas; se ver sem ter o que comer e, mesmo assim, sobreviver”, comenta o veterano Robert Duvall, que faz uma pequena participação em A Estrada, em entrevista à Sci-Fi News/SOS Hollywood.

Olhar para o futuro e ver apenas tragédia pode parecer pessimismo exagerado, mas razões existem – além do 11 de setembro – e não são gratuitas. Washington explica: “já repararam como não valorizamos o que temos? Lembro de ficar em longas filas para tentar usar o telefone quando era garoto, hoje, qualquer um faz uma ligação de qualquer lugar. Essa falta de respeito e valor ao que temos – seja uma fruta ou uma roupa nova – não é um bom indicativo”.

De acordo com Washington, “filmes ou livros até podem influenciar as pessoas, mas o mínimo que se espera é que iniciem debates e provoquem novos questionamentos; não é isso que me faz escolher, ou não, um trabalho, mas é algo que aprendemos quando treinamos para ser atores e, por mais distante e surreal que pareça, sempre está por ali”. Seja escolha consciente ou mero reflexo das incertezas sociais, a Ficção Científica lança o alerta para algo mais plausível do imaginarmos uma estação espacial em Marte, a primeira colônia em Alpha Centauri, ou mesmo as maravilhas da Pandora de James Cameron – também vitimada pela devastação e guerra humana – e as perspectivas de um mundo ficcional parecem menores a cada dia.

Muito disso pela forte influência da guerra ao terror liderada pelos Estados Unidos. A cada ataque, novas ondas de preocupação. Na TV, o History Channel conta como seria o “Mundo Depois da Gente”, e a CNN transforma atentados, mortes nas frentes de batalha e prisões de terroristas nas notícias mais ameaçadoras e relevantes do mundo, além de deixar implícito – a cada nova notícia – que o Irã pode deflagrar o conflito nuclear a tanto custo evitado com a Rússia. É o poder da globalização e da superinformação. Nenhuma guerra desses moldes começou, mas se depender da FC. Perdemos antes mesmo do primeiro tiro.

Publicado na SCI-FI NEWS, 144, nas bancas.

Ele é o dono do mundo e do cinema em 2010. Seu nome: Tony Stark! SCI-FI News conversou com Robert Downey Jr. no set de filmagens e é ele quem conta os detalhes do filme mais aguardado do ano, que estréia em 30 de Abril no Brasil!

Tony Stark deixou o mundo de pernas para o ar quando anunciou ser o Homem de Ferro. Entretanto, anunciar ser um super-herói e viver como tal são coisas completamente diferentes, e nada fáceis. Mudanças na vida pessoal, novos inimigos – tanto na política quanto na hora da pancadaria – e a constante luta contra sua mortalidade fazem do milionário mais arrojado do mundo um sujeito a ser batido e admirado, dentro e fora das telas. Homem de Ferro 2 é novamente dirigido por Jon Favreau e estrelado por Robert Downey Jr, Gwyneth Paltrow, Scarlett Johansson, Mickey Rourke, Don Cheadle e Sam Rockwell.

“Tony é um sujeito consciente de que pode morrer a cada missão; especialmente por viver no limite e gastar até o último minuto de energia em seu reator”, conta Robert Downey Jr. no intervalo entre as filmagens, em Los Angeles. Empolgação e auto-análise se misturavam no comportamento desse veterano das telas que pegou gosto por heróis famosos. Ele também é o astro principal de Sherlock Holmes, ao lado de Jude Law. “Tive muita influência criativa nos dois filmes. Mas isso se justifica não apenas pelo sucesso do primeiro filme, mas por encontrar apoio total.”

Pouco modesto e igualmente orgulhoso, Downey Jr. nunca escondeu o fato de ter sido fundamental para a realização do primeiro filme, fato com o qual Jon Favreau concorda e assume sem o menor problema. Downey Jr completa: “Quando funciona percebo que não são surtos provocados por excesso de café, mas por que, de alguma maneira, consigo captar algumas necessidades de cena ou do personagem. Jon e eu nos confiamos mutuamente; e ficamos surpresos quando seguimos um palpite e, no fim das contas, era exatamente o que o filme precisava. E Homem de Ferro 2 reflete isso diretamente: no primeiro filme, ele tinha os elementos para poder escapar da morte, mas agora ele se vê confrontado por sua mortalidade e não faz idéia do que precisará fazer para continuar vivo. Instintos vão servi-lo muito bem nessa jornada.”

Quem vai lembrar, e muito, o Homem de Ferro de sua mortalidade é Whiplash, vilão barra pesada interpretado por Mickey Rourke, renascido das cinzas depois de O Lutador. “Sou um burocrata agora e aprendi a ficar de boca fechada (risos)”, brinca Downey Jr. “Não é segredo que Mickey e eu vamos sair na porrada, mas o modo como isso acontece é muito único e profundo do que o pessoal imagina”. As surpresas preparadas por Downey Jr. e Favreau tem muito a ver com o conceito de adaptar os personagens ao estilo e fisionomia dos atores, não o contrário. “Muita gente tenta transformar as pessoas, mas isso pode ficar falso se não for feito perfeitamente, então adaptamos os personagens aos atores e isso funcionou de modo produtivo, pois cada um pode colaborar e inserir seu estilo neles. Especialmente Mickey, que é um sujeito excêntrico, mas brilhante.” Essa decisão agradou, e muito, ao público masculino, que pode contar com Scarlett Johansson em seu esplendor como a espião Viúva Negra.

Pepper Potts (Gwyneth Paltrow) continua na jogada, mas agora como CEO das Indústrias Stark – o que explica a elegância e charme das mocinhas que distribuíam os cartões da visita da companhia na última Comic-Con – e Scarlett faz as vezes de Natasha, a nova assistente que não compartilha a lealdade e paixão de sua precursora pelo chefe. Pelo menos não de forma sincera, afinal trabalha infiltra e esconde seu alter-ego.

Cercado por inimigos tanto em seu círculo íntimo quanto durante suas missões, Tony Stark precisa se preocupar com mais uma figura, mas no campo político e econômico: Justin Hammer (Sam Rockwell), um fabricante de armas obstinado para se tornar o próximo “Stark”. Afetado por seus constantes lembretes de mortalidade, Tony continua seguindo seu compromisso de fazer do mundo um lugar mais seguro, mas se já deixou seu “homem de confiança” irritado ao ponto de tentar matá-lo no primeiro filme, não precisa muito para imaginar as conseqüências mundo a fora. Assim nasce a parceria entre Whiplash e Hammer.

MEIO HOMEM, MEIO MÁQUINA, 100% ADRENALINA!

Embora Tony e suas novas armaduras possam dar conta do recado, o Homem de Ferro conta com a ajuda do Máquina de Combate, codinome utilizado por seu amigo Cel. Rhodey. Aliás, esse personagem foi foco de muita polêmica quando Terrence Howard não concordou com o salário para o segundo filme, levou a disputa a público e perdeu. Em seu lugar entrou Don Cheadle, infinitamente mais dramático e carismático que Howard. A existência de um segundo herói é bem-vinda e óbvia, afinal, no mundo de Tony Stark ele não é o único com acesso a alta-tecnologia. Ninguém pode dizer que o trabalho de Cheadle não será autêntico, afinal, ele sabia tão pouco sobre o personagem que jurava que o Homem de Ferro era um robô!

É uma nova relação inserida nessa dinâmica, que tem ramificações muito mais profundas do que aparentam. Downey Jr. explica: “Sem saber, Tony faz parte de um legado gigantesco. Toda a coisa da S.H.I.E.L.D. e dos heróis, que já estão em atividade há muito tempo. E também existe aquela constante fantasia entre pais e filhos, já que todo mundo, pelo menos uma vez, imagina que seu pai controla os segredos do universo e você precisa aprender tudo dele para descobrir esses segredos. É uma noção bem inocente de roleplaying, mas faz sentido. Faço isso com meu filho, é muito válido”. Estaria o Homem de Ferro já pensando em passar a bola, ou são apenas reflexos de um ator diante do auge de sua carreira? Provavelmente a segunda opção.

VEJA O TRAILER

De acordo com Downey Jr. “às vezes você passa por mudanças por conta das escolhas profissionais. E vejo um paralelo nisso com o filme também; essas mudanças acontecem de acordo com o que você quer ou, na maioria das vezes, precisa. Estou com quarenta e poucos anos e faço parte dessa grande “piada” na qual sou praticamente o Super-Homem (risos). É muito engraçado. Acreditando nisso ou não, tenho uma confiança extrema no que faço e sempre me vejo tendo uma carreira imensamente melhor e mais representativa que qualquer um que conheço. De um modo narcisistico, e meio bizarro, sempre tive essa relação muito otimista com as possibilidades.”

Quem tem mais possibilidades que Downey Jr. é o Homem de Ferro e sua segunda aventura nos cinemas. Diferente da surpresa causada pelo primeiro filme, esse novo capítulo será dissecado tanto pelo público especializado quanto pelo espectador comum, que gostou do primeiro e vai voltar aos cinemas. São milhões de críticos invisíveis, esperando o melhor, mas a postos para reclamar do menor dos erros quando as luzes se apagarem e o mundo de Tony Stark voltar à vida. Homem de Ferro 2 estréia mundialmente em 7 de maio de 2010, quer dizer, teoricamente, pois, no Brasil, chega aos cinemas em 30 de abril. (Colaborou Fernando Dias Netto)

Reportagem: Andrea Cangioli, de Los Angeles / Texto: Fábio M. Barreto
Publicado originalmente na Sci-Fi News 142

Primeiro vídeo oficial de Predators, possivelmente Predadores em português, chega à internet. Publicar trailers é fácil, mas só no SOS Hollywood você vê as imagens com as impressões e informações de quem visitou o set de filmagens, em Austin!

Robert Rodriguez começou a mostrar a cara de sua mais nova criação na internet: Predators, Predadores na tradução direta, novo filme na mitologia dos caçadores intergalácticos. A quantidade de novidades é tão grande quanto o nível de segurança promovido pela Troublemaker Studios, empresa de Rodriguez, baseada em Austin, no Texas. Visitei o set de filmagens há alguns meses como enviado da revista MOVIE e pude caminhar pelos principais cenários mostrados nessa prévia, além de entrevistar todos os produtores, equipe técnica e atores. Pois é, de Adrien Brody a Alice Braga.

Um dos principais cenários vistos nessas imagens é uma floresta chamuscada, repleta de esqueletos e corpos dos mais diversos tipos de animais. É a toca dos inimigos. Mas nada é obvio nessa trama que, propositalmente, tende a levar o espectador para conclusões distantes da real linha da história. Não vou contar aqui, quem ler a MOVIE vai ficar sabendo. Enfim, mesmo os inimigos estão além da expectativa do espectador. Não se tratam simplesmente de Predadores, os humanos do elenco precisam lidar com coisas que assustam até mesmo a um Predador clássico. E fico por aqui em termos de história.

Outra coisa curiosa é a presença de Laurence Fishburne, que havia gravado suas primeiras cenas no dia em que visitei o set. Se você ficou empolgado, imagine a reação de Alice Braga, Topher Grace e os atores menos famosos do elenco ao ver uma lenda da atuação chegando de surpresa para integrar o grupo? Foi um dia cheio de emoções.

Andar pelos cenários, aliás, muitos deles presentes na prévia e ver os truques que Rodriguez usou para inventar o cenário parecia ser a coisa mais nerd do dia, porém, um outro momento bateu as expectativas. Sempre me lembro dos comentários sobre o momento em que Hayden Christensen vestiu a armadura de Darth Vader pela primeira vez, em Episódio III, mas ver meu amigo Derek Mears [comediante stand up e ator, que fez o papel de Jason Vorhees no último Sexta-Feira 13] vestia a roupa de Predador para uma sessão de fotos e mais algumas cenas foi algo mágico. Arrepiou.

Predators pode ser considerado uma continuação direta do primeiro filme. Não há ligações com a mitologia crossover com a série Alien.

Bem, assista ao vídeo abaixo e para a cobertura completa, fique de olho na Revista MOVIE. Começamos a cobertura na próxima edição!

VEJA O TRAILER OFICIAL AQUI

Novo-longa metragem de Tim Burton reinventa, revisa e reposiciona o clássico de Lewis Carroll com 3D moderado e um verdadeiro trabalho de equipe. Nessa versão, cair no buraco do Coelho Branco é o menor dos seus problemas… divirta-se!

por Fábio M. Barreto,
de Los Angeles

Precisamos crescer quando entramos na escola, precisamos amadurecer rápido demais no ginásio, aprendemos a torcer cada vez mais pela maioridade e, aí, precisamos crescer e amadurecer novamente, afinal, os ciclos anteriores não foram suficientes ou serviram apenas àqueles momentos. Isso quando não resolvemos fazer tudo de novo aos 40 e em todas as outras crises da meia e da maior idade. Respiramos, logo amadurecemos. É a condição humana. É a história de Alice no País das Maravilhas, livro que nasceu clássico pelas mãos de um matemático com o dom lingüístico em 1865. E também serve como base para o roteiro de Linda Woolverton (A Bela e a Fera; Rei Leão), que Tim Burton dirigiu com Johnny Depp, Helena Bonham Carter e Alan Rickman no elenco.

Embalado por uma ostensiva campanha visual em todo mundo e, claro, grande expectativa por conta da mais nova colaboração entre Burton e Depp, Alice no País das Maravilhas estreou com força total, faturou mais de US$ 200 milhões no primeiro fim de semana e desbancou Avatar como melhor abertura da história. Também pudera, teve cerca de 220 salas 3D a mais que o filme de James Cameron – é o mercado em franca expansão para atender à crescente demanda da tecnologia – e a máquina de fazer dinheiro chamada Walt Disney. Tudo isso, claro, conseqüência de um trabalho que começou na infância de Tim Burton, quando o diretor leu o clássico de Lewis Carroll pela primeira vez.

As novidades dessa nova versão concentram-se no aspecto do formato, afinal, mesmo com roteiro diferente do livro, os elementos são os mesmos. Alice, as Rainhas – Branca e de Copas -, o Chapeleiro Maluco, o Coelho Branco e demais personagens do mundo maluco e tresloucado conhecido como País das Maravilhas. Ao optar pelo uso contido da tecnologia 3D, Tim Burton coloca a responsabilidade nas costas de seu elenco, muito valorizado, mesmo inserido num ambiente repleto de cores [numerosas, mas nem tão brilhantes e atraentes como sugeriam seus pôsteres] e cenários fantásticos.

A própria história busca sua maturidade. Alice (Mia wasikowska) não foge apenas das pressões de uma sociedade machista, mas corre em busca do passado idílico, no qual a presença do pai a confortava. Nesse mesmo passado existe a lembrança de um sonho maluco: o País das Maravilhas. Aprenda seu passado, aprimore o futuro. Mas nesse caso, os períodos voltam a se encontrar quando Alice despenca buraco abaixo. É o início de sua nova jornada, menos formativa que as anteriores, mais definitiva por seu momento pessoal. Toda pessoa boa é meio louca, diz o pai de Alice. Está certo. Imaginação e criatividade valem mais que qualquer convenção social quando se sonha com algo mais que uma vida trivial.

Tal jornada beira o xamanismo, repleto de animais de poder, música marcante, reflexos do mundo real, mensagens e uma tarefa. Tão habilmente quanto Neil Gaiman faz em Deuses Americanos, a trajetória de Alice a confronta com algo capaz de mudar sua vida. Ela não quer, mas vai fazer o que precisa. E vai mudar. Entretanto, como o Sombra de Gaiman, a grande pergunta fica na capacidade de assimilação da experiência. Ou seja, quanto amadurecimento isso vai gerar.

Tim Burton considera uma mistura de contos de fadas com história de terror, acontecendo de forma independente ao original da Lewis Carroll. Já Linda Woolverton, a roteirista, tem outra opinião: “é uma continuação; uma história revisionista, ou melhor, um exemplar do nonsense cinematográfico”, disse à revista Script. Essa dissonância criativa mesmo entre os criadores da obra reforça um das maiores qualidades dos contos de fadas: pluralidade de interpretações. O material base é um só, entretanto, Burton imprimiu sua visão, enquanto Woolverton pode fazer sua contribuição [pesada, aliás, criando nomes, situações e contextos inéditos à obra de Carroll]. Atualidade sobrepondo o clássico, necessidade de uma nova dinâmica tão alucinadamente veloz e competitiva que nem mesmo Carroll antecipou quando lançou a pequena Alice no buraco pela primeira vez.

A história de Alice nasceu como conto infantil, evoluiu para uma complexa provocação matemática e consolidou-se por sua capacidade semântica e criativa. Tudo para instigar as mentes juvenis da virada do século 19, quando o mundo ainda precisava ser explorado e a vida era difícil, mesmo para uma burguesia limitada por seus portões de aço ou mansões cercadas pela pobreza do proletário industrial. As barreiras modernas são outras e o amadurecimento de Alice caminha na direção da independência – pessoal, sexual, comportamental. É a jovem atual e, no mundo virtual de seus sonhos, pode tudo. Muda de tamanho, de visual, de idéia, de postura e precisa mata um monstro por dia. Alice não é mais menininha e não há príncipe encantado vindo salvá-la, pelo contrário, só ela pode decidir o destino do País das Maravilhas.

Muita responsabilidade, claro. Entretanto, falamos em amadurecimento. E carga maior do ser responsável por seus atos e escolhas não há. Longe do dilema de Peter Parker, nota-se o ciclo completo da influência de Alice. Quando Matrix estreou, em 1999, Neo seguiu o Coelho Branco buraco abaixo e virou sua vida de ponta cabeça, agora é a vez do Oráculo – ou melhor, Lagarta – devolver o favor à mocinha. Ela bem conhece esse mundo de sonho, mas não se lembra. Ela é Alice, ao mesmo tempo que não é Alice. Quem sabe numa outra vida? Noutro dia? Noutro momento? Tudo muda a nossa volta, mas as maiores mudanças acontecem quando mudamos mais que o entorno. Uma Estranha Numa Terra Estranha. Ainda não está pronta. O tempo é curto. O Coelho Branco está atrasado. E o Jabberwocky está à espreita.

Mas há conforto no nonsense lexical e comportamental do Chapeleiro Maluco. Muito mais amargurado e saudoso do que maluco, aliás. Um homem perdido no tempo, desprovido de função, numa eterna cerimônia sem propósito. Assim como Nora Dinsmoor, sempre à espera. Não do amor. Da Salvação. De Alice. Chance de ouro para Johnny Depp brilhar. Mas, de comum acordo, mesmo que velado, tanto Depp quanto Burton deixam o brilho para o esforço coletivo. Nada de exageros e pouca ousadia. Se o visual espalhafatoso deixou de ser surpresa meses atrás, sobraria à interpretação a grande novidade… que nunca veio. Seja a fala semi-fanha digna de Magorium, ou os trejeitos simultaneamente atrapalhados, mas arrojados, esse Chapeleiro é um herói recolhido e assim se mantém, contentando-se em ser o escudeiro da verdadeira heroína. Competência também significa compreender sua função e permitir que a história se desenvolva, sem tentar roupar a cena. E assim é Depp, funcional e agradável quando solicitado. Ah sim, dançarino irreparável. Para padrões do País das Maravilhas, claro.

Por ser uma história seminal e extremamente influente, Alice requer cuidados em seus paralelismos. Não é ela quem se espelha no mundo atual, ao contrário, é nossa modernidade que encontra raízes nos dilemas da pequena sonhadora. Quase adulta na nova versão, enfrente dilemas tão atuais em 1865 quanto em 2010. Mudam-se os formatos e nomes, porém, o ser humano é o mesmo. Assim como suas mazelas. Carroll foi elogiado – e acusado por seu suposto interesse sexual nas irmãs Liddell (Alice, Lorina e Edith), para quem inventou a história, em especial pela fotografia que tirou de uma delas, Alice. Tivesse publicado seu surto no mundo moderno, enfrentaria chacota, apologia a entorpecentes e fracasso inevitável. A mesma inocência que Alice tentava se livrar desesperadoramente, é justamente o que nos acomete atualmente.

Tim Burton não é inocente, nem prega tal conceito. Mas gosta de falar sobre amadurecimento, escolhas e as situações constrangedoras que fazem parte desse processo. Difícil entre escolher entre ter mãos de tesoura na casa de uma vendedora da AVON e conversar com animais falantes na terra onde a Rainha de Copas pode cortar sua cabeça! Sua assinatura está em Alice no País das Maravilhas, mas, dessa vez, ele se comporta como espectador, em vez de maestro. Permite que esse mundo se desenvolva e assiste, de camarote, ao maior dos espetáculos: ver a nossa reação a essa espiadela num lugar onde nada é o que parece e tudo pode acontecer, contanto que você não perca a cabeça! É o pintor, pintando o pintor, que pinta o pintor, que pinta… e no fim das contas, alguém sabe por que o corvo se parece com a escrivaninha?

Alice no País das Maravilhas estréia dia 23 de Abril, no Brasil.

VISITE O ESPECIAL ALICE NO PAÍS DAS MARAVILHAS!

Confira algumas fotos:
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diHITT – Notícias

A sensação de urgência e tensão proposta pelos minutos iniciais de Ilha do Medo compõe a primeira camada da trama do melhor filme de Martin Scorsese, no qual descobrir o mistério é a menor das preocupações.

Por Fábio M. Barreto,
de Los Angeles

O resultado do 82º Academy Awards foi considerado pelo Los Angeles Times, por exemplo, como o desejo da Academia de reencontrar a ligação com um cinema mais simples e questionador, ou melhor, relevante artisticamente. Essa discussão vai longe. Conversando com Oliver Stone, consegui a melhor definição até agora, e veio em formato de pergunta que ele fez a mim: “Por que as pessoas insistem em separar entretenimento de relevância?”. Justo. E completou: “Nunca vi essa separação, ou seja, meus filmes não tentam fazer uma coisa ou outra.” Não sei o que Martin Scorsese pensa a respeito disso, mas Ilha do Medo (Shutter Island) mescla essas duas características de forma assustadora e íntima. Entretêm, provoca e surpreende. É o melhor filme de Scorsese, descontando, claro, o punhado de obras-primas que criou ao lado de Robert DeNiro e que o alçaram à condição de mito em Hollywood. E, sem dúvida, melhor colaboração entre o diretor e Leonardo DiCaprio.

Grandes dilemas compõem os personagens da Ilha do Medo. Questionados a cada momento, e de forma velada na maior parte da projeção, os policiais e médicos dessa ilha inóspita que acomoda uma prisão para criminosos com problemas mentais agem de maneira peculiar e obtusa. Há um mistério no ar: uma paciente desapareceu; e o FBI vai investigar, enviando dois agentes – veteranos da Segunda Guerra Mundial – vividos por Leonardo DiCaprio e Mark Ruffalo. Tudo muito estranho, tudo muito mal explicado.

São os elementos perfeitos para o desenvolvimento dessa trama, entretanto, ao contrário do sugerido pelos trailers e campanha de marketing, descobrir a reviravolta incutida na mente do público não é a grande surpresa de Ilha do Medo. Não há certezas, nem mesmo a existência da tal reviravolta. Há perguntas, há memórias terríveis, há algo de errado com aquele lugar. As memórias de Teddy Daniels (DiCaprio) o levam a sua esposa morta e também a um dos campos de concentração da Alemanha Nazista [Dachau, cuja recriação destoa gritantemente de seu design e visual original, lembrando muito mais Auschwitz do que a locação desejada]. Tudo se mistura em meio às investigações de Daniels, até mesmo experimentos mentais nazistas. O desaparecimento ganha tons de ponta de um iceberg gigantesco.

Mesclar tanta coisa sem cair na obviedade e no clichê é para poucos. Martin Scorsese é um deles e sabe aterrorizar. Já o fez em Cabo do Medo. E não precisa de monstros. Faz isso com pessoas, sempre passíveis de causar terror puro aos que os cercam por conta de sua agressividade ou violência. Como não lembrar de personagens como o instável e autodestrutivo Jack LaMotta e o taxista Travis Brickle, a versão humana de uma bomba-relógio circulando pelas ruas de Nova Iorque. “Somos homens de violência”, diz um dos policiais. “Não necessariamente violentos, mas dependentes da violência, ela está a nossa volta”. Eis o grande tema de Ilha do Medo: violência, ou ausência de, e suas conseqüências. Méritos do romance de Dennis Lehane, cuja construção irreparável permitiu tamanha profundidade ao roteiro de Laeta Kalogridis (que assinou o ótimo Guardiões da Noite, mas também fez bobagem em Alexandre, de Oliver Stone).

A guerra é mental. Se a geração Vietnã voltou traumatizada, o que dizer dos homens que descobriram os horrores nazistas? É a luta do sujeito comum buscando balancear um passado atormentado com a chance de fazer o Bem e desvendar o mistério da ilha. Sempre perfeitamente apoiado por Mark Ruffalo e Sir Ben Kingsley, DiCaprio brilha. Seja no sotaque alemão irrepreensível, seja na carga dramática. Não há mais resquícios do garoto de Titanic, assim como ficaram de lado os exageros de Diamante de Sangue ou Rede de Mentiras.

Ancorado por uma trilha tensa e sempre presente, Ilha do Medo lembra o público da violência e no medo. Não do desfecho, mas do que ele pode significar para aquelas pessoas. E essa resposta vem de forma perturbadora e desorientadora. Scorsese dá o maior de todos os golpes sem dó nem piedade, DiCaprio responde à altura e a trilha incita o desespero. Naquele momento, um trio perfeito. E terrível.

Considerar o último dos dilemas causaria desconforto num bate-papo, entretanto, ser confrontado com tal contexto é tiro certeiro no calcanhar de Aquiles. Como se defender do desarme perfeito? Impossível. O filme valeria somente por essa cena, mas ela funciona como clímax para um filme igualmente provocador e instigante.

É a essência do thriller, mas sem sustos desnecessários ou respostas mirabolantes. É o inferno das grandes histórias da literatura, o terror de Lovecraft longe de seus cenários ficcionais, a Matrix do mundo pré-computadorizado.

Confira algumas imagens:
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*agradecimento ao Ricardo Rigotti, que revisou e aprovou o texto! \o/

Hugh Laurie, David Shore e Robert Sean Leonard analisam a melhor série dramática da atualidade. Saiba como foi o tapete vermelho, ou melhor, azul, da sexta-temporada em matéria exclusiva! Entrevistas e mais entrevistas! Com os cumprimentos da Sci-Fi News, que liberou a publicação!

Por Fábio M. Barreto,
De Los Angeles

House é um dos poucos homens sem medo na TV mundial. Destemido, despreocupado e totalmente convencido de seus ideais, o personagem de Hugh Laurie revitalizou os roteiros televisivos com esse médico especializado em diagnósticos incapaz de jogar conversa fora ou usar meias verdades. Com House é tudo preto e branco, sim ou não, verdade ou enganação. Entretanto, nem mesmo ele resistiu ao resto do mundo politizado e, no final da quinta temporada, perdeu a batalha para sua própria convicção, fixação e, finalmente, alucinação. A guerra desse exército de um homem só recomeça num brilhante show de Hugh Laurie, em Broken, episódio de duas horas de duração – um filme do melhor calibre. E a corrida para os Emmy 2010 termina antes mesmo de começar. É barbada!

VEJA A COBERTURA FOTOGRÁFICA!

“É o House, meu deus!”, gritou um motorista alucinado na Sunset Blvd, em frente ao ArcLight Cinerama Dome, um dos cinemas mais tradicionais de Los Angeles. Sci-Fi News entrevistava Hugh Laurie naquele momento, em cobertura exclusiva da estréia da sexta temporada da série. “O pessoal exagera às vezes”, comentou o simpático Laurie, ainda espantado com as reações de seus fãs. O motorista em questão quebrou várias leis de transito ao sacar sua câmera portátil, parar o carro no meio da rua, e, antes de bloquear a faixa de pedestres, começar a filmar o “tapete azul” armado no local. A maior surpresa, porém, estava no fato de tamanho evento – com cobertura internacional – acontecer por conta do sexto ano da série. “Thirteen, eu te amo!”, outro grito provocou gargalhadas nos presentes. Grandes lançamentos [a estréia do novo 91210, do CW, por exemplo] ou retomadas relevantes [a segunda temporada de Heroes] recebem tal tratamento, mas nunca um programa já tão consagrado, premiado e devidamente divulgado.

A grande expectativa em torno da retomada de House e um patrocínio considerável da montadora Ford foram os elementos que colocaram esse evento em andamento, mas tudo por uma boa causa graças a uma generosa contribuição dos envolvidos para uma entidade dedicada ao tratamento de mazelas mentais. A experiência de House no hospital psiquiátrico é marcante, mas facilitada pela ótima estrutura. Muito diferente da vida de cão retratada por Rodrigo Santoro em Bicho de Sete Cabeças. É a eterna magia da qualidade médica norte-americana na TV, cuja natureza preparada e efetiva se imortalizou com Plantão Médico, mas anos-luz de distância da realidade das emergências mais pobres e, claro, de outros países. Claro que isso não é problema da série e nem de Hugh Laurie, que vive a essência de Hollywood ao entregar um cheque milionário, enquanto é ovacionado e calma frisson pelo simples fato de entrar no ambiente.

Provas de popularidade não faltavam: três mil convidados, mais de cem jornalistas, outdoors pela cidade e muito trabalho para os seguranças, dando duro para manter os curiosos – a pé ou motorizados – longe do evento. “Fico chocado com isso, seis anos depois e cada nova temporada parece algo de outro mundo”, assume Laurie, indicado quatro vezes ao Emmy [sem vencer] e outras quatro ao Globo de Ouro [faturou dois prêmios] na categoria Melhor Ator em Série Dramática. Mesmo recolhido, nada deslumbrante como Olivia Wilde ou falastrão como criador David Shore, Laurie vê seu trabalho com reservas e, claro, bom-humor: “Não acho seguro falar em Emmy agora, mas criar esse episódio, que tem duas horas com intervalos, mas só uns 9 minutos sem cortes [risos] foi algo marcante”. Especialmente por contar com a presença do ator em todas as cenas e também sem a presença de nenhum dos médicos membros de sua equipe.

Hugh Laurie ficou surpreso. “Pensei que os outros [atores] fossem me espancar ou me trancar num quarto escuro sem comida por alguns meses”, brinca o ator, sobre o momento em que recebeu o roteiro e se viu distanciado de seus funcionários. “Foi um exercício interessante para ver até onde eu conseguiria explorar aquela situação. Não foi fácil para House e nem para mim, especialmente por saber que se não acertasse no tom da atuação, teríamos problemas sérios; elenco, cenário e estrutura novos e nada típico em termos de House, então havia muito risco envolvido”.

Mais complicado ainda é manter um personagem tão odiável, mas adorado, no ar sem ultrapassar as barreiras do aceitável. “O conceito inicial apontava para essa personalidade controversa”, comenta David Shore, cuja primeira opção foi mesmo a Fox [no Brasil, House é exibido pelo Universal Channel e também pela Rede Record], mesmo com um programa cheio de potencial para canais com mais liberdade como HBO ou Showtime. “Ele poderia ser sincero sobre o que comeu no café da manhã, por exemplo, e soltar o verbo. Entretanto, é mais fácil aceitar esse sujeito na televisão, sabendo que ele não existe, pois a vida real seria muito mais árdua e cheia de agressividade.”

O formato não é exclusivo para o Dr. House, que influenciou [Sheldon Cooper, de The Big Bang Theory] e foi influenciado [Stewie, o bebê megalomaníaco de Family Guy]. Recentemente, Hollywood apostou num desbocado Gerard Butler, em A Verdade Nua e Crua, falando poucas e boas sobre relacionamentos e os exemplos não param. Além disso, o constante sucesso de House em diversos países coloca a honestidade em alta. “Esse jeito de ser é fundamental numa situação de vida e morte”, comenta Hugh Laurie. Ouvido sem auxílio de imagens, seu sotaque britânico o distância totalmente da persona de House, assim como seu modo de agir ou conversar. É a essência do grande ator, simplesmente absorvido por seu personagem e não o contrário. “Não deve ser muito legal se casar com alguém assim [risos], mas ouvir, e saber dizer, a verdade é necessário. Seu talento e postura direta faz com que as pessoas tolerem o jeito incomum, por assim dizer, aquele jeito de ser.”

Na vida real, franqueza e falta de habilidade política são recompensadas com exclusão ou abandono. Na TV, o resultado pode ser a internação hospital psiquiátrico e também o afastamento dos amigos. Não necessariamente nessa ordem. “Fiquei maluco para saber como começaríamos a sexta-temporada, pois a situação era maluca demais, mesmo para House”, lembra Laurie. “Essa série permite muita inventividade, seja trancar o protagonista num asilo, seja acreditar num longa-metragem no sexto-ano”.

A falta de objetivo social surge como elemento curioso na persona de Greg House. “Ele não quer cair nas graças de ninguém, nem ser popular e nem mesmo receber elogios”, explica Shore, altamente reverenciado por Laurie. “Claro que ele faz tudo de caso pensado, mas nunca almeja nada fútil ou aparente. Gosto de House por ele saber diferenciar certo de errado, e, literalmente, vive com base nessas duas realidades e persegue o que acredita estar certo. Há algo atraente nesse modo de encarar a vida, mesmo ele estando errado algumas vezes”.

“Não tenho dúvidas de que falar a verdade e viver sem rodeios sejam elementos fundamentais no sucesso de House, mas também existem muitos segredos escondidos ali”, analisa Laurie. “Logo, a existência de alguém capaz de expressar suas experiências de forma natural e transmitir essas verdades de forma indefensável, seja de modo engraçado ou cruel, transforma uma situação potencialmente agressiva em algo empolgante e viciante”. Ou, no caso do personagem, enlouquecedor.

Essa atração pode ser explicada como válvula de escapismo social. House acerta em cheio o público da classe média, normalmente acostumado com os dramas médicos do estilo de Plantão Médico. No Brasil, é a opção de qualidade para substituir as formas batidas e previsíveis das novelas globais. “Se comportar, pensar muito antes de falar e, agora com a internet, tomar cuidado com cada palavra se une à necessidade de engolir sapos durante o trabalho e temos um bando de gente louca para dizer umas verdades por aí”, contextualiza Robert Sean Leonard, que interpreta do Dr. Wilson, em House. “Como ninguém quer falar e perder o emprego, ou o amigo, as pessoas se contentam em ver um sujeito com carta branca para fazer tudo isso”. O personagem de Leonard é um dos poucos que mantém uma relação saudável com House, pois, em meio aos trotes e constantes conflitos, sua amizade serve como apoio bilateral ao longo das temporadas, tanto é que Wilson é o único personagem fixo presente no episódio especial.

“Não é qualquer amizade que resiste a tantos altos e baixos, talvez por isso House e Wilson funcionem bem juntos”, analisa Leonard, inesquecível em A Sociedade dos Poetas Mortos. Ajuda o fato de Wilson não fazer parte da cadeia hierárquica de House – sua agressividade afeta tanto funcionários, quanto a chefia – em sua busca desenfreada pela solução dos quebra-cabeças. “House tenta derrotar monstros imbatíveis o tempo todo, quer ganhar uma guerra impossível e desconsidera obstáculos, ou emoções alheias, em suas jornadas obstinadas”, acrescenta Laurie. É justamente essa guerra constante para encontrar um equilíbrio único, totalmente diferente do normal, a fonte das inesgotáveis piadas e chacoalhadas do personagem. “Difícil acreditar num recuperação completa, afinal, ele seria apenas mais um médico sem seu jeito de ser”, acredita Laurie.

Mediocridade não combina com Greg House, do mesmo modo que covardia não se aplica a Han Solo e sedentarismo está fora do vocabulário de John Keating. Daí sua ascensão como herói moderno, o vingador dos oprimidos. Assim como toda boa obra ficcional, House reflete um desejo latente de se recuperar a espontaneidade e sinceridade social, fato que só piorou com o aumento exponencial da importância da internet e das mídias sociais. Todos vêem e são vistos, participando do maior concurso de popularidade da história da Humanidade, mas poucos arriscam quebrar as regras ou impor suas próprias leis. House faz isso por eles , mas seu custos. Afinal, como todo sonho idílico da internet, House também pode ser assistido gratuitamente e os episódios estão sempre a um download de distância. O desejo de ser House existe, a predisposição de assumir suas opiniões e posturas não. É o culto nas sombras, sem dúvidas, idolatrar algo do qual nunca serão capazes.

O mais surpreso com tamanha identificação mundial foi David Shore. “Pensei que só eu tinha esse ponto de vista, dessa necessidade de ser sincero, mas quando descobri que mais gente gostava da idéia, fiquei sem reação”. Shore ofereceu o programa para a Fox descrevendo apenas o intelecto e modo de agir de House. Naquele momento, não havia organização de personagens de apoio, história a longo prazo e etc., havia um homem sarcástico, direto e médico genial. “Mas nada podia me preparar para os resultados de audiência, aquilo foi mais surpreendente que qualquer outra coisa”. Em média, House tem cerca de 14 milhões de espectadores nos Estados Unidos. O episódio mais assistido foi Frozen, da quarta temporada, com 29 milhões de televisores sintonizados.

*Matéria originalmente publicada na capa da Sci-Fi News. Entende quando eu digo que o material melhorou por lá?

Acusado de fazer comentários anti-semitas, prisão por embriaguez ao volante e muita polêmica tem cercado um dos maiores astros de Hollywood. Muito por conta de uma relação pouco saudável do ator com a imprensa e sua pouca disposição para manter a boca fechada. É mais um elemento da panela de pressão da mídia, de quem Gibson precisa, mas simplesmente não consegue mais seduzir.

Por Fábio M. Barreto,
de Los Angeles

Na manhã ensolarada de quinta-feira, Mel Gibson vai pessoalmente até a porta de sua residência em Malibu, na Califórnia. Lá encontra uma equipe de TV francesa pronta para entrevistá-lo por conta de seu novo filme, O Fim da Escuridão (Edge of Darkness). Parte da regalia se dá por conta da boa relação de Gibson com a distribuidora do filme na França, mas também é um jeito de dizer: bem-vindos, sou um sujeito legal e quero ser amigável com vocês. Mas os tempos são outros e sua fama de temperamental ganhou níveis tão altos que, quando o astro convida os jornalistas para ficar mais um pouco depois do fim da entrevista e almoçar com ele, é repelido. Sob a desculpa de outro compromisso, os franceses deixam para trás um Mel Gibson contrariado. A verdadeira razão é clara: quanto menos contato, melhor. É um verdadeiro pesadelo de relações públicas, especialmente com a facilmente ofendida imprensa internacional, pronta a taxar os grandes nomes sem piedade.

Caso sofresse apenas com os frutos de uma relação desgastada, Gibson ainda poderia sonhar com uma volta por cima, porém, os problemas continuam. No início de fevereiro, Mel Gibson concedeu uma entrevista a um canal de TV de Chicago e quando perguntado sobre “o público ter superado a controvérsia e estar pronto a esquecer o assunto”, o ator reagiu mal, disse que já se desculpou o suficiente e sugeriu que a entrevista seguisse outro rumo. Mas o pior estava por vir: antes das câmeras saírem do ar, tomou um gole de seu café e, aparentemente, xingou o repórter de babaca [a$#hole, em inglês]. Foi pego pelas câmeras.

Veja a matéria da CNN:

A ofensa caiu como uma bomba no colo da mídia, que transformou o caso em grande acontecimento e gerou uma quantidade gigantesca de publicidade negativa para Edge of Darkness. Mais tarde, Gibson disse ter xingado seu assessor de imprensa por não ter gostado das perguntas. Não importava mais, o estrago estava feito. E o filme só faturou US$ 42 milhões, contra US$ 80 milhões de orçamento.

De um lado a imprensa diz que Gibson deveria estar preparado para perguntas referentes a seus momentos conturbados e, corretamente, se vê no direito de tocar no assunto [mesmo que de maneira repetitiva e, normalmente, por falta de assunto]; do outro, o ator e diretor sendo cada vez mais hostilizado e confrontado com questões sobre seus exageros e opiniões, em vez de suas realizações profissionais. O conflito é inevitável, uma vez que, na cabeça de editores ao redor do mundo, falar de polêmica é mais lucrativo e atrai mais leitores. Verdade incômoda, mas ruim a longo prazo. Situações como essa transformaram Eddie Murphy, por exemplo, num astro relativamente retraído em entrevistas e sempre muito bem preparado para transmitir uma imagem positiva e sorridente, mas menos autêntico do que fora anos atrás. Gibson é autêntico em demasia e tem trocado sinceridade por agressividade.

Nada disso diminui a brilhante carreira de Mel Gibson, responsável por filmes como Coração Valente, Máquina Mortífera e Mad Max. Entretanto, fica clara a necessidade de deixar os holofotes um pouco. Anti-semitismo, violência gratuita e surtos. Agressividade gera mais agressividade. E a imprensa é imperdoável. É um caso clássico de quanto mais mexer, mais problema vai causar. Uma pena.

*originalmente publicado na Sci-Fi News.

Alice no País das Maravilhas testas os limites da imaginação com grande força visual e um 3D moderado. Tim Burton moderado? Leia e descubra por que!

Imaginação é uma das maiores dádivas da raça humana. Toda criança sabe disso. E Charles Lutwidge Dodgson sabia disso. James M. Barry também sabia. Tolkien passou dos limites, positivamente, mas, essencialmente, imaginar muito era fundamental na virada do século 19, um período de tecnologia feiosa, perspectivas amargas e poucas cores – especialmente na Inglaterra industrial. Atualmente, as coisas mudaram e imaginar perdeu aquele tom pessoal para muita gente – não a maioria, mas, ainda assim, muita gente. O cinema conta as histórias e o 3D coloca o público lá dentro num momento positivo para a tecnologia visual. E, justamente nesse momento, Tim Burton apresenta sua Alice no País das Maravilhas ao mundo. Porém, antes do deslumbre, é necessário precaução e atenção. Ah sim, Dodgson é o verdadeiro nome de Lewis Carroll.

As comparações com Avatar serão inevitáveis, mas não por mérito, pelo contrário, pela escassez de argumentos válidos na internet e na memória cada vez mais curta dos novos jornalistas impressos. A capacidade de analisar um filme pelo que ele é perde força e, com isso, se perde a habilidade de realmente compreender e apreciar as minúcias de um trabalho visualmente primoroso como esse. Alice no País das Maravilhas não é perfeito, mas suas poucas falhas são incapazes de desmerecer a obra, que sempre esteve nos planos de Tim Burton, fã assumido da história desde a infância.

Revisitar o País das Maravilhas visualmente não é tarefa fácil, entretanto, sua natureza surreal permite grande exercício criativo da produção. Pode não ser o seu ou o meu País das Maravilhas, mas com certeza se parece – ou não – com cada versão já imaginada. Os elementos estão lá: o Gato de Cheshire, a Lebre de Março, o Chapeleiro Maluco, a Rainha de Copas, as peças de Xadrez da Rainha Branca e o temível Jabberwocky.

É prato cheio para mentes imaginativas como a de Burton. Tudo é real, surreal e irreal, com menos cores do que a idéia transmitida pelas campanhas de pôsteres. Ou melhor, as cores estão lá, entretanto, com menor saturação e causando uma sensação mais real. Um resultado próximo do visual cru de Sweeney Todd, por exemplo. E as comparações param por aí.

A mistura do 3D com live action funcionou bem e ajudou a história na maioria dos casos. Única exceção ficando nas mãos do Valete de Copas, interpretado por Crispin Glover (o pai de Martin McFly). De forma inexplicável, o personagem – homem “comum”- foi totalmente digitalizado (exceto por sua cabeça) e animado ganhando um movimento desajeitado e artificial. Decisão possivelmente tomada por conta de sua constante integração com seu cavalo – esse sim computadorizado -, entretanto, com resultado negativo. Pelo aspecto positivo, o Coelho Branco está perfeito, assim como Helena Bonham Carter e sua Rainha de Copas, com seu cabeção! A Tea Party (ou Lanche da Tarde, na tradução mais aproximada) também ganhou muito realismo e bela integração entre Johnny Depp (Chapeleiro Maluco), Mia Wasikowska (Alice) e os personagens computadorizados.

Exagerado com cores por um lado, ponderado no uso da tecnologia 3D pelo outro. Isso mesmo, Tim Burton foi contido. É uma presença discreta e com função bastante dramática. Essa é a resposta à declaração esnobe de Jason Reitman ao SOS Hollywood sobre “quem quer ver uma lágrima em 3D?”. Novamente, o 3D se apresenta como linguagem e garante aquele conhecido mergulho num novo mundo. É o público seguindo o Coelho Branco e despencando buraco abaixo durante sua visita ao País das Maravilhas.

O 3D de Alice no País das Maravilhas serve à profundidade, à perspectiva e também ao senso de realidade da história, seja na fumaça da Lagarta, na Tea Party ou na integração entre Alice e todos os demais personagens. Por esse aspecto, Tim Burton nunca pode ser acusado de ter exagerado. Fez o certo, ousou em outros aspectos, mas manteve sua história e personagens no primeiro plano, enquanto objetos, árvores e backgrounds ficavam nos seus devidos lugares.

Como tudo no universo de Alice é passível de diversas opiniões, interpretações e mutante, as escolhas de Tim Burton em relação ao 3D seguem a norma, não imitando os filmes mais recentes como Avatar, ou tentando revolucionar e reinventar. Burton simplesmente usou uma ferramenta criada sob medida para histórias como essa ou O Mágico de Oz, por exemplo, para entreter o público. Ele testa os limites da imaginação, se é 3D ou não, pouco importa.

Dentro da cinematografia de Tim Burton, Alice no País das Maravilhas não encontra paralelo, ou gênero. É tudo novo, até mesmo para ele. Comparar é tão Flinguntaken quanto uma boa Fragenlaken!

por Fábio M. Barreto,
de Los Angeles

Tim Burton seguiu o Coelho Branco e encontrou Johnny Depp esperando do outro lado! É Alice no País das Maravilhas chamando a atenção de pessoas do mundo inteiro.

Fábio M. Barreto,
de Los Angeles e San Diego

Quando Alice decidiu seguir o Coelho Branco buraco abaixo, em 1865, a literatura mundial ganhou um de seus maiores clássicos. Dois séculos mais tarde, Tim Burton, uma das mentes mais perturbadas e alucinadas de Hollywood embarca na mesma jornada para recriar Alice no País das Maravilhas. Apostando pesado na mistura de tecnologias de filmagem – 3D, Imax, animação e película – Burton conta com seu mais proeminente aliado: Johnny Depp. Ele é o Chapeleiro Maluco, o homem das charadas sem resposta, o maior de todos os excêntricos, um personagem escrito sob medida para o estilo extremo e brilhante de Depp. Alice no País das Maravilhas estréia na próxima sexta-feira, mas Sci-Fi News/SOS Hollywood* conversou com a dupla e leva você para a primeira visita à toca do coelho. Prepare seu chá e torrões de açúcar!

Alice no País das Maravilhas marca mais uma dobradinha entre Tim Burton e Johnny Depp [Edward Mãos de Tesoura, Sweeney Todd – O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet, A Fantástica Fábrica de Chocolates e tantos outros] e que deve continuar nos próximos anos. Burton vai dirigir Dark Shadows, cujos direitos pertencem a Depp, estrela natural para essa adaptação de uma novela gótica exibida em 1966, pela ABC. Depp será o vampiro Barnabas Collins. Mas que fruto de um estilo cinematográfico similar, essa proximidade apóia-se numa visão peculiar e alinhada do mundo a sua volta. “Quando começamos a falar sobre o Chapeleiro Maluco, fiz alguns rascunhos e mostrei ao Tim”, comentou Johnny Depp, bem-vestido com um colete listrado sobre uma camisa branca. “Ele tinha feito o mesmo. Bem, preciso dizer que os desenhos eram muito parecidos? (risos)”.

Para Depp, a relação com Burton é algo “que existe, mas não é declarado; uma conexão em termos de compreensão e linguagem própria”. Mas é no lado profissional que as boas piadas surgem: “O melhor de tudo é que ele me empregou umas sete vezes. Estou doido pela oitava e pela nona (gargalhadas). Uma vez estávamos conversando, aí um sujeito ouviu o papo todo e veio falar comigo: ‘não entendi absolutamente nada da conversa, qual era o assunto?’ Não tenho certeza se eu sabia também (risos)”.

Atualmente morando na França, Depp recebeu Sci-Fi News em Los Angeles, perto do lançamento de Inimigos Públicos [drama de época dirigido por Michael Mann; leia crítica aqui]. Oportunidade rara. Depp fala pouco com a imprensa. Simpatia e bom-humor marcaram o encontro, que também foi pontuado pelo comportamento agressivo e exibido de parte dos jornalistas presentes. Tudo terminou com uma batalha por fotos ao lado do ator; alguns chegando a agarrar Depp. Constrangedor. É o poder da celebridade mesmo entre quem convive com astros. Só Depp faz isso ultimamente.

E isso é marcante na vida pessoal do ator. “Gostaria tanto de poder andar incógnito pela Disneylândia com meus filhos; não posso dar essa experiência a eles, pois sabem que quando papai resolve passear em público – especialmente num lugar como a Disney – as coisas ficam esquisitas e fora de controle muito rápido (gargalhadas); gostaria que eles pudessem viver essas coisas comigo”, comenta Depp, indicado ao Oscar por Jack Sparrow, da cinessérie Piratas do Caribe.

Porém, todas as atenções se voltam para um personagem intrigante e de visual único: Chapeleiro Maluco. Johnny Depp assumiu a tarefa de recriar um clássico. Fez isso recentemente com Sweeney Todd, ao lado de Tim Burton, mas o barbeiro parece um sujeito normal, se comparado ao novo Chapeleiro. Pele branca, maquiagem pesada, chapéu digno do Visconde de Sabugosa, comportamento errático e um papel aparentemente maior do que versão literária marcam o personagem.

Mais que o roteiro, o conteúdo original de Lewis Carroll serviu como guia para Depp. E material não falta. “Muita gente estudou Alice à exaustão, eu gosto dos pequenos mistérios, de algumas pistas que o livro dá; isso me fascina, então foi esse rumo que tomei para entender o Chapeleiro Maluco”, comenta. “O que mais me intrigou é o fato dele investigar ‘coisas que começam com a letra M’. Pirei com isso e depois de alguma pesquisa sobre chapeleiros históricos, notei coisas em comum entre eles e, claro, encontrei a frase ‘as mad as a hatter’[tão louco quanto um chapeleiro, expressão anterior a Carroll]. Descobri que uma das razões para isso era envenenamento por mercúrio [presente na cola utilizada na confecção dos chapéus]. Imagine a minha cara quando descobri a razão desse M; é por isso que eles ficavam pineis (risos)”.

Além da composição psicológica e psicotrópica do Chapeleiro, Depp também visualizou sua próxima criação esquisita. Foi dele a idéia de inserir muitas cores e brilho, para depois tirar a saturação. “Johnny busca bases sólidas para tudo que faz; procura coisas que te façam sentir e vai além do sujeito simplesmente doido”, explica Tim Burton a esse correspondente em meio ao caos da Comic-Con, em San Diego. “A maioria das versões mostra o Chapeleiro como um sujeito de uma nota só, invariavelmente maluco; Johnny fugiu disso. Há um lado humano mais forte nessa versão; aliás, é isso que ele sempre faz com seus personagens, vejo muito mais seu estilo nisso do que no visual.”

Nem seqüência imediata, nem adaptação direta; nem conto de fadas, nem história de terror. Alice no País das Maravilhas é um pouco de tudo para Tim Burton: “nunca vi um filme que realmente gostasse, então resolvi fazer minha versão; faltava ligação emocional com as outras versões. Alice é uma história contínua, não uma simples série de eventos, ou seja, ela não é apenas uma garotinha que fica pulando de cenário maluco para cenário maluco. Há um propósito ali”. Assim como é inevitável não buscar propósito no visual constante da persona de Burton. Usando óculos escuros, com blazer preto, cabelo bagunçado e barba por fazer, parece que minutos separam um encontro recente com o diretor com uma conversa no ano antes. O tempo funciona de forma diferente naquela cabeça criativa… ou seria louca?

Curioso, porém, notar a semelhança do argumento de Burton com o da minissérie Alice, recentemente exibida pelo SyFy Channel: anos depois, Alice precisa retornar ao País das Maravilhas, lugar comandado pela tirania da Rainha de Copas. Muitas cabeças foram cortadas ali e a insanidade reina absoluta.

Loucura parece ser um elemento constante nessa obra, mas em meio ao caos existe certa ordem. Ou razão. Seja ela a manipulação visual obtida com filmagens em 3D, IMax e animação computadorizada, seja ela transferência emocional que cada espectador pode projetar na história. “Cada indivíduo é esquisito nessa história, mas essa esquisitice é relacionável, afinal, todo mundo passa por algo parecido na vida; até que colocamos a cabeça no lugar (risos)”, brinca Burton, que leu Alice no País das Maravilhas quanto tinha cerca de 10 anos de idade.

Embora a história de Alice seja repleta de camadas, subleituras e trocadilhos, há limites até mesmo para Tim Burton. Um deles é o relacionamento entre o Chapeleiro Maluco e Alice. “Não há nada de sexual ali, ela é uma garotinha!”, em versões anteriores um romance ficou implícito entre os personagens o que, por conseqüência, sugeriria algo além no relacionamento entre Lewis Carroll e Alice Liddell [e suas irmãs], para quem ele inventou a história verbalmente e, mais tarde, escreveria o livro.

Burton tem bastante certeza do que precisa visualmente, ou pelo menos aparenta. Diferente de Robert Zemeckis e sua constante busca pela perfeição virtual, ele filmou tudo misturando 3D e filme tradicional, mas evitou a captura de imagem. “Não gosto dessa ferramenta. Preferi mergulhar na animação pura e complementar com live action; essa mistura faz de Alice no País nas Maravilhas algo novo”, explica Burton. “Essa mistura faz de Alice algo novo, mas como ainda não terminei de descobrir tudo que vai fazer parte dessa novidade (risos), não sei ao certo onde vamos parar; enfim, não gosto da idéia de encher um ator com pontinhos verdes, mas isso não significa que captura seja algo inútil. Cada mídia tem sua utilidade dependendo do objetivo do projeto. Não funciona pra mim”.

Essa é uma das maiores expectativas em torno da obra, afinal, como integrar personagens virtuais como o Coelho Branco, pessoas “normais” como Alice e o Chapeleiro Maluco, e elementos mesclados como a Rainha de Copas e suas cartas. “Helena [Bonhan Carter, esposa do diretor] tem um cabeção, então caiu como uma luva”, brinca Burton. Helena faz as vezes da Rainha Louca. E tem mesmo um cabeção! A personagem, não a atriz. O próprio roteiro faz jus ao conceito de misturar elementos, pois vai assimilar trechos, personagens e acontecimentos de todo o universo que compõe Alice. “Não posso falar que vou utilizar tudo do Jabberwock, por exemplo; é importante salientar que nada acontecerá de forma linear ou exatamente como descrita no livro”, alerta.

Ainda é cedo para especular se o resultado será tão fantástico como imaginado ou descrito por Depp e Burton. As prévias parecem promissoras, mas de uma coisa podemos ter certeza: Alice no País das Maravilhas será uma mistura completa e ensandecida entre contos de fadas e histórias de terror: “é isso que faz desse gênero algo tão atemporal, não é? Misturar fantasia e medo”, define Burton.

Em 5 de março é melhor não se atrasar para um compromisso muito importante!

*Matéria originalmente publicada na revista Sci-Fi News, ed. 138, 2009.

Continuando nossa série de filmes clássicos da Sessão da Tarde, que começou aqui, falarei do nome máximo de todos os tempos: O Pássaro Azul, para a geraçào pré-Curtindo a Vida a Doidado, claro!

Acreditem ou não, esse filme é estrelado por Shirley Temple, a eterna estrela-mirim de Hollywood. O longa-metragem dirigido pelo fantástico Walter Lang (do oscarizado O Rei e Eu, com Iul Brynner) e trilha sonora de Alfred Newman (Aeroporto, vencedor do Oscar por O Rei e Eu, entre tantos outros), estreou em 1940 e contava a história dos irmãos Mytyl e Tytyl. Eles moram numa cidade européia perto de uma grande floresta e sofrem por estarem sozinhas, pois seu pai foi recrutado para combater as forças de Napoleão, que assolavam o continente.

Inspirado na peça homônima de Maurice Maeterlinck – bem interessante, aliás -, o filme mostra como Mytyl e Tytyl precisam recuperar O Pássaro Azul, capaz de trazer felicidade e alegria às pessoas. Porém, sua tarefa é difícil, já que precisam viajar no tempo e nas dimensões para encontrar o passarinho. Para ajudá-los, sua gata – totalmente esnobe e indiferente aos problemas que os afetam – e seu cachorro – subserviente, leal e preocupado ao extremo com a segurança das crianças – são transformados em humanos e todos participam da jornada. A viagem é assustadora, com poucos momentos de felicidade descarada. é uma verdadeira jornada de amadurecimento que chegou cedo demais para duas crianças. Entre as passagens da viagem, há a memorável visita ao local onde “as crianças ficam antes de nascer”. Ali eles conhecem a genialidade, a fraternidade e, claro, o amor das jovens almas prestes a serem separadas mais uma vez pelo inevitável nascimento.

Shirley Temple usa todo o seu charme e doçu… não, maldade para tentar entender essa viagem “tola” em busca de um pássaro. Foi a primeira vez que ela interpretou um papel não-angelical. O que a personagem não sabe, porém, é que tudo isso não passa de uma alegoria para o próprio drama da personagem que, por um certo egoísmo, deixa de ajudar um amigo doente. A partida do pai também afetou muito a “cabeça” dos pequenos irmãos, que perdem seu referencial de segurança.

O filme foi a resposta da Fox ao sucesso de O Mágico de Oz, da MGM, e, por uma série de fatores, foi um fracasso comercial retumbante. Quem levou a pior, porém, foi Shirley que, pela primeira vez, viu um filme seu não estourar na bilheteria. Duas razões: Segunda Guerra batendo à porta da América e a escalação de Temple num papel “maldoso” não convenceu o público. Tudo culpa do produtor de Shirley, Darryl F. Zanuck, que achou que os filmes de fantasia infantil estavam em alta depois que Dorothy e Totó colocaram o Kansas no mapa. Tomou?

O filme só antecipava algumas das mazelas que crianças norte-americanas passariam nos anos seguintes, ao verem seus pais partirem para combater a ameaça do momento, Hitler. O que justifica um certo retorno financeiro na TV nos anos posteriores, mas aí já era tarde demais. Curiosamente, há outra ligação entre O Pássaro Azul e O Mágico de Oz: a atriz Gale Sondergaard, que interpreta a gata Tylette, havia sido escalada para fazer a Bruxa Má, porém, abriu mão do papel para ficar ao lado de Shirley Temple. Dançou!

O Pássaro Azul é assumidamente infantil, cativou os brasileiros por anos na TV aberta até que foi para a grade do Telecine Classic. Não sei se ainda passa, mas essa versão do YouTube foi retirada de lá. Se você conhece, relembre. Se não conhece, tente travar contato com um tempo em que o cinema servia para contar histórias – tristes, como nesse caso -, mas belíssimas e inesquecíveis. Especialmente por sua simplicidade, até certo ponto ingênua, mas graciosa e marcante. Shirley que o diga.

O longa foi indicado a dois Oscar: Melhor Fotografia Colorida e Melhores Efeitos e Efeitos Especiais, que englobava também edição de som, na cerimônia de 1941.

O DVD de O Pássaro Azul está disponível em área 1 na Amazon.

Algumas cenas para matar a saudade!

Tom Hanks e Steven Spielberg repetiram a dobradinha de Band of Brothers e agora miram seus olhares no Teatro do Pacífico, com a minissérie The Pacific, que estréia em março na HBO. Conferimos alguns episódios e uma prévia em primeira mão desse evento televisivo de 2010!

Por Fábio M. Barreto
de Los Angeles

Mundialmente, dois eventos marcaram a Guerra do Pacífico, braço da Segunda Guerra Mundial basicamente disputado por Estados Unidos e o Império do Japão: o ataque surpresa a Pearl Harbor, em 7 de dezembro de 1942, e os ataques nucleares em Hiroshima e Nagasaki, em agosto de 1945. O restante dos acontecimentos perde força perante o romantismo e “relevância” do Teatro Europeu, ou seja, historicamente, Hitler é mais popular que Hirohito. Mais sangrenta e violenta que a guerra européia, a faceta do pacífico ficou conhecida como “a outra guerra” pelos norte-americanos e, em 2010, ganhará nova força de mídia com a estréia de The Pacific, minissérie de dez episódios produzida pela HBO e produzida por Steven Spielberg e Tom Hanks.

Diversos filmes retrataram esse conflito [veja os destaques abaixo], mas, normalmente, tem suas temáticas focadas numa das grandes batalhas. Não é o caso de The Pacific, cujo objetivo é acompanhar a história do Primeiro Regimento de Fuzileiros Navais ao longo da Segunda Guerra Mundial, começando em Guadalcanal e acompanhando esses soldados até a cansativa volta para casa depois do final da guerra. No elenco principal estão James Badge Dale [terceira temporada de 24 Horas], como Robert Leckie, o soldado intelectual; Joseph Mazzello (o garotinho de Jurassic Park), fazendo as vezes do idealista Eugene Sledge; e Jon Seda (Bad Boys II), vivendo o herói John Basilone, uma das maiores lendas entre os fuzileiros navais. Todos personagens reais. Quase todos sujeitos que escreveram livros sobre suas provações em meio ao calor, mosquitos, malária, desembarques perigosos, entre eles “Helmet for My Pillow” (Leckie) e “With the Old Breed” (Sledge).

Se a História ensina algo é que séries e filmes de guerra têm o ótimo hábito de revelar talentos rapidamente reconhecidos por Hollywood. Assim aconteceu com Damian Lewis, Roy Livingston e Frank John Hudges (todos de Band of Brothers), Vin Diesel (O Resgate do Soldado Ryan) e Alexander Skarsgard (Generation Kill).

Novamente, é uma história sobre soldados. Desinformados, abandonados, responsáveis por derrotar um império passo a passo. Às vezes, meras testemunhas de eventos além de sua compreensão, como por exemplo, quando a Marinha norte-americana sofre uma de suas piores derrotas em Guadalcanal e precisa fugir para não ser aniquilada. Da ilha, os fuzileiros assistiam sem saber quem era quem. O resultado foram meses de abandono e martírio durante a luta nas florestas. O Pacífico teve uma guerra crua, travada por homens expostos ao extremo. Se a alucinação do desembarque do Dia D, na Normandia, romantizou a Guerra na Europa, essa era a norma no Pacífico, com “uma Normandia” a cada nova batalha. E cada invasão mais sangrenta que a anterior. The Pacific mostra várias delas, mas seu mote são os personagens. Seus questionamentos e motivações; coragem e simples desejo de continuar vivo – algo bastante improvável perante a quantidade de desembarques anfíbios, a ferocidade dos soldados japoneses e, especialmente, as florestas inóspitas.

Terrence Malick buscou o extremo psicológico com seu Além da Linha Vermelha, totalmente ambientado em Guadalcanal, mas não poderia fugir da realidade daquela campanha. Marcada por muita espera e dificuldade por conta de um inimigo obstinado. The Pacific aproveita aquela mesma sensação, embora abra mão dos devaneios em meio à floresta. Duas vozes para uma mesma mensagem: nada ali foi fácil, especialmente pelo efeito do isolamento imensamente maior que o dos soldados na Europa. Visualmente, a minissérie dirigida por gente do calibre do especialista em pilotos David Nutter (Supernatural, ER, Band of Brothers e tantos outros) e Carl Franklin (Roma), é irreparável. Bela mistura de câmera na mão e poucos ângulos tradicionais, uso de diversas ferramentas para garantir seqüências contínuas nos desembarques, corridas pela selva ou mesmo na constante movimentação dos soldados em combate.

Em termos de roteiro existe grande rigor e comprometimento com os relatos dos soldados envolvidos. Tom Hanks e Steven Spielberg respeitam esses homens com fervor, logo, funcionam como mensageiros para uma história considerada fundamental pela dupla. Um dos principais roteiristas é Bruce McKenna, que assinou três episódios de Band of Brothers, responsável por quatro capítulos dessa saga.

Muito mais que criar uma nova série cultuada por homens apaixonados pela Segunda Guerra Mundial, The Pacific se encaixa mais na qualidade de registro histórico. Um verdadeiro legado de uma geração que vingou um país, mas ficou à sombra da guerra galante e romântica na Europa de Hitler. Ver um jovem Sledge fazer de tudo para se alistar mesmo com seu pai [veterano da Grande Guerra] o alertando sobre os efeitos desse tipo de conflito na alma das pessoas ou mesmo Basilone criar o mito de “Rambo”, ao repelir um ataque japonês com ferocidade e obstinação sobre-humana [e usando apenas uma metralhadora] tira o fôlego. Sem dúvida, situações agressivas e violentas, mas extremamente comoventes. É o homem comum fazendo a diferença num mundo em que liberdade ainda era um ideal digno de colocar a vida em risco.

O maior foco de The Pacific é o drama pessoal, mesmo com batalhas como Iwo Jima, Peleleu e Saipan garantindo o atrativo militar. Todos os atores passaram por um intenso treinamento de combate antes das filmagens que aconteceram inteiramente na Austrália ao longo de um ano. Durante esse período, os atores responsáveis pelos soldados japoneses faziam a mesma coisa, poucos quilômetros de distância do acampamento norte-americano. Parte da preparação envolvia situações de atrito entre ambos os campos. Surpresa assustadora para ambos os elencos, mas que gerou ótimo resultado nos episódios. Os combates são curtos, mas de intensidade gigantesca.

Essa natureza dramática faz dessa série algo diferente de Band of Brothers, cujo único vestígio é o estilo visual da abertura e a qualidade técnica utilizada em sua realização. Narrativamente são duas séries totalmente díspares. The Pacific faz jus a toda expectativa, pode frustrar alguns entusiastas por seu ritmo desacelerado e reflexivo, mas cumpre sua missão com méritos: entrega aos norte-americanos algo que eles nunca se cansam – novos heróis. Para o resto do mundo ficam as lições de companheirismo, devoção e a lembrança dos limites da estupidez humana. É uma série incapaz de mudar o mundo, mas com plenas condições de promover mudanças em cada um de nós. Impactante e inesquecível.

The Pacific estréia em 11 de abril de 2010, na HBO Brasil.

FILMES SOBRE A GUERRA DO PACÍCIFO
Além da Linha Vermelha (1998): Terrence Malick mergulha no aspecto psicológico dos soldados que lutaram em Guadalcanal num filme repleto de estrelas, mas extremamente injustiçado pelos prêmios de cinema. Indicado a sete categorias no Oscar e não venceu nenhuma. Jim Caviezel, Elias Koteas e Sean Penn se destacam no elenco.

A Conquista da Honra / Cartas de Iwo Jima (2006): A dobradinha de Clint Eastwood para narrar as agruras de Iwo Jima entraram para a História rapidamente, especialmente pela “segunda” parte ser totalmente feita em japonês e, finalmente, contar o outro lado da moeda. Um espetáculo na direção, grandes momentos de ação e atuação memorável de Ken Watanabe. Do lado norte-americano, a natureza política e econômica da guerra ganha mais destaque com a história da foto da bandeira sendo erguida no topo do Monte Suribachi. Um momento que mudou os rumos do conflito e deu novo ânimo a uma nação.

Nimitz – De Volta ao Inferno (1980): O ataque japonês a Pearl Harbor decretou a entrada dos Estados Unidos na Segunda Guerra mundial e mudou os rumos do mundo, mas os americanos nunca engoliram essa história muito bem. Mesmo tento arrasado o Império do Japão nos anos seguintes, o sentimento de revanchismo sempre existiu e Nimitz foi o jeito do cinema, e a ficção científica, tentarem dar o troco. Durante testes em seus novos reatores nucleares, um porta-aviões moderno é lançado ao passado exatamente no dia 6 de dezembro de 1941, um dia antes do ataque japonês. Martin Sheen e Kirk Douglas vivem esse drama: usar seus caças F-14 Tomcat para massacrar a frota japonesa e impedir o ataque ou manter História do mesmo jeito em vez de arriscar mudanças radicais em nossa civilização?

Outras recomendações: A Um Passo da Eternidade; Império do Sol;, Tora! Tora! Tora!; Códigos de Guerra, Pearl Harbor; As Areias de Iwo Jima; MacArthur; 1941 – Uma Guerra Muito Louca; A Ponte do Rio Kwai e They Were Expendables.

Roland Emmerich volta a falar sobre A Fundação, adaptação da obra-prima de Isaac Asimov, para os cinemas.

Há notícias e há fatos históricos. Por mais exagero que pareça, quando Peter Jackson revelou seus planos para adaptar O Senhor dos Anéis, muita coisa mudou, seja pelo aspecto de se fazer filmes, seja pelo simples fato de que gostar da obra de Tolkiendeixou de ser regalia dos leitores, que desde então dividem opiniões com os fãs 100% audiovisuais, que só viram no cinema, pouco se importam com O Silmarilion e etc. O público literário se vê, novamente, diante de situação similar, mas, agora, o assunto é Isaac Asimov. Ou melhor, A Fundação, sua obra máxima. Hari Seldon e a saga de Terminus tem novo destino: o cinema!

Já não era muito segredo em Hollywood, mas, finalmente, Roland Emmerich volta a falar sobre seu envolvimento [que agora parece ser definitivo] com a adaptação de A Fundação, à MTV norte-americana. Ele havia comentado sobre o projeto durante a Comic-Com 2009, quando falou sobre o roteirista, mas depois ficou quieto. Há alguns meses, quando o SOS Hollywood entrevistou o diretor por conta do lançamento de 2012, ele se esquivou do assunto, mas agora parece não haver mais volta. Durante a entrevista, Emmerich comentou sua visita ao set de filmagens de Avatar e deixou claro sua pretensão de filmar a obra em 3D. “É o jeito mais moderno de se fazer cinema”, disse.

Pelo jeito, o projeto envolve três filmes [possivelmente A Fundação, A Fundação e o Império, A Segunda Fundação] e o uso de computação gráfica será pesado. “Não saberia fazer de outra forma”, comentou Emmerich. Todo esse assunto é muito delicado, afinal de contas, a Trilogia da Fundação cobre milênios de História da Humanidade e, embora tenha seus rompantes de ação e a presença de elementos ficcionais intensivos, essa trajetória é focada nos homens presentes em seus momentos cruciais. É uma obra humana, acima de tudo.

Emmerich já teve seus momentos nesse campo. Soube fazer bem a construção de Daniel Jackson de James Spader, em Stargate; e, por que não, tratou de maneira adequada o Benjamin Martin de Mel Gibson, em O Patriota [sem entrar no mérito das similaridades com Coração Valente]. Entretanto, sua produção recente tem se distanciado da profundidade e primado pelo efeito sobrepondo o homem, idéia totalmente contrária ao âmago da Fundação. Asimov criou um futuro, evoluiu sua tecnologia, exibiu sua derrocada e renascimento, mas sempre através das relações humanas; afinal, de que serviria a psicohistória de Hari Seldon sem as massas para dar-lhe volume e os homens chave para executá-la [ou meramente dar vazão a seus desígnios?].

Durante meu papo com Emmerich, ele reafirmou sua decisão de abandonar os filmes apocalípticos e se dedicar projetos mais intelectuais. Faz bem, pois, embora seja o melhor quando é necessário destruir o mundo ou inventar mundos abilolados, tempo demais num mesmo gênero se torna problemático. A pergunta é: quando resolver embarcar de vez na realização de A Fundação, terá passado tempo suficiente longe da diversão visual gratuita a ponto de encarar Asimov da maneira necessária?

Há uma razão primordial que impediu qualquer tentativa de adaptação de A Fundação até hoje: respeito. Não pode haver erros. Peter Jackson e James Cameron já provaram que o impossível não existe mais. Provavelmente, A Fundação é o último dos “infilmáveis” da Ficção Científica e sua realização acontece num momento prolífico e positivo na arte cinematográfica. Existem as condições técnicas, uma nova linguagem [o 3D], já que a FC é por definição vanguardista e rompe barreiras, nada melhor que surgir num momento de avanço indiscutível; o dinheiro; e, acima de tudo, um mercado pronto para receber produções do gênero e transformá-las em êxito financeiro [leia mais na matéria de capa da Sci-Fi News, 144, já nas bancas!].

Sugiro torcermos por duas decisões vitais nesse projeto:

1) Roland Emmerich e Harald Kloser ficarem longe do roteiro [Emmerich diz já ter contratado Robert Rodat, roteirista de O Resgate do Soldado Ryan e O Patriota. "Lodat é aficionado pela obra e sabe tudo de cor e salteado";

2) Tanto estúdio [ainda não-definido/divulgado] quanto Emmerich compreenderem que o personagem principal da história é a Fundação, não Hari Seldon, os Prefeitos, os Comerciantes ou o Mulo e Golan Trevise [como os livros não foram definidos, vai saber].

O risco é tremendo e, embora goste e respeite o trabalho de Emmerich, considero a escolha errada. Por razões muito pessoais e pelo reconhecimento no tratamento cinematográfico, gostaria de ver Paul Thomas Anderson ou Darren Aronofsky no comando desse projeto; ou então um nerd e fã assumido como foi Peter Jackson para O Senhor dos Anéis. É da paixão ou domínio total da linguagem que surgem os melhores “livros do cinema”. Basta olhar para Avatar. Infelizmente, Emmerich não se encaixa em nenhum dos dois elementos.

Espero que o precursor de Hari Seldon já tenha computado isso na fórmula psicohistórica, ou que o primeiro dos Segundo-Fundacionistas esteja por perto. Essa adaptação simplesmente não pode falhar. O maior legado da literatura de Ficção Científica está em jogo. E Emmerich sabe disso.

por Fábio M. Barreto,
de Los Angeles

Adaptação de livro homônimo coloca Peter Jackson em contato com seu lado espiritual, deslumbra com um visual surreal e pessoal e confronta o público com uma história horrível, mas necessária.

Rotular Peter Jackson é um erro. Suas origens nérdicas estão presentes e sempre serviram como base, mas o diretor neozelandês aproveita cada oportunidade para mergulhar em filmes relevantes tanto para a sociedade, quanto para ele mesmo. Esse é o caso de Um Olhar do Paraíso (The Lovely Bones), adaptado do romance de Alice Sebold, no qual a vida da jovem Susie Salmon (Saoirse Ronan) é descrita após sua morte. O assassino: um vizinho sociopata (Stanley Tucci, indicado ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante e vencedor Globo de Ouro pelo papel).

Distante das habituais obras repletas de mistério e reviravoltas, Um Olhar do Paraíso não se prende ao assassinato de Susie ao permitir que suas impressões do pós-vida – sejam elas sentimentais ou visuais – norteiem o filme enquanto ela vê sua família desmoronar e seu algoz continuar impune. Enquanto Tucci e a irlandesa Saoirse [pronúncia: Sârxia] chamam a atenção em cada uma de suas intervenções, a dinâmica entre Mark Wahlberg e Rachel Weisz, como os pais da garota, fica a desejar. Tudo é intenso demais para as limitações dramáticas de Wahlberg que, conseqüentemente, mina a sempre habilidosa Weisz. A falha é conjunta. Felizmente, Peter Jackson tirou o peso da auto-sabotagem provocada pelos pais e transferiu o foco da narrativa para Susie e, quando era hora de mostrar a família, optou por reforçar a presença de Susan Sarandon – num papel exageradamente divertido, como a avó tresloucada.

“Gosto desses filmes que arriscam visualmente sem ofender o espectador”, comenta Susan Sarandon, em entrevista a este repórter, em Los Angeles. “Coisas como O Curioso Caso de Benjamin Button me incomodam, pois tentam simular algo improvável; fiquei muito irritada com esse filme”. A visão de Sarandon é bastante definida sobre esse assunto e, mesmo depois de ter criticado duramente Speed Racer, cuja forte assinatura visual chama mais atenção que a história em si, a atriz contextualizou sua crítica ao filme de Brad Pitt: “Speed Racer deixa claro, logo de cara, que se trata de um desenho animado, então vale tudo de certo modo; não gosto quando tentam simular a realidade desse modo, por isso, ver esse paraíso de Susie é algo belíssimo, pois não se trata do nosso mundo; é outra coisa, outro lugar, outra sensibilidade”.

E é nesse tom que Um Olhar do Paraíso se desenvolve. Testando a sensibilidade do espectador por meio da visão de Susie, cujo lar agora é um lugar entre a Terra e o Paraíso, um limbo pessoal e paradisíaco. “Ela precisa confrontar seus medos e sua nova realidade para poder sair dali e, só então, seguir seu caminho para seu destino, seja lá qual for”, comenta Peter Jackson. Assim como o romance, o filme não toma partido de nenhuma religião. A jornada é o que importa. “E o visual é reflexo disso, a alma de Susie criar seu mundo baseado no que ela viu, viveu e sentiu”. Tudo é simbolismo, misturando leitura de sonhos com elementos new age e a delicadeza de uma garotinha.

Esse é um lado da história.

O outro é visualmente neutro. Hermético. Premeditado e sem cor. É o mundo do Sr. Harvey (Stanley Tucci), um sujeito atormentado por desejos terríveis e uma habilidade assustadora na hora de aplacá-los. É tensão latente, tão agressiva que Stanley Tucci relutou – e muito – para aceitar o trabalho e só o fez depois que Peter Jackson garantiu que seu visual seria diferente o suficiente para que ele próprio não se reconhecesse. O resultado é uma versão maligna do personagem de Tom Cruise em Trovão Tropical. “Nunca vou deixar meus filhos chegarem perto desse filme, pode apostar”, avisou o ator, muito respeitoso em relação às possíveis indicações por seu trabalho. “Embora a honraria seja válida, esse é o tipo de cara pelo qual não gostaria de ser lembrado”.

Um Olhar no Paraíso apontava como um filme extremamente dramático e deprimente, revelou-se espiritual e sonhador. Tudo por conta do ótimo trabalho de Saorsie Ronan (Desejo e Reparação), capaz de transmitir as emoções de Susie de maneira convincente, seja nos momentos apaixonados ou nos confrontos mais assustadores. É agradável travar contato com esse além no qual as almas não tem necessidade de “resolver algo pendente” no mundo dos vivos a la Melinda Gordon, tendo apenas responsabilidade com seus próprios desejos e problemas. Ela foge da hora de sua morte [momento detalhado no livro, mas propositalmente ignorado pelo roteiro], entretanto, permanecerá para sempre sozinha caso não faça sua escolha: superar o ódio nutrido contra o Sr. Harvey ou encontrar conforto no amor de sua família?

Soa óbvia, mas nem por isso fácil. Como cobrar algo assim de uma garota apaixonada cuja vida foi interrompida tão cedo e de forma tão violenta? Pelo argumento de Alice Sebold e roteiro de Peter Jackson, Fran Walsh e Philippa Boyens o tempo é o melhor remédio. “Uma das coisas que mais me impressionou foi o fato de o amor da família voltar a existir com o passar dos anos, enquanto o desfecho do Sr. Harvey é solitário e inexpressivo. A memória dela sobrevive, a dele desaparece. É irônico, mas justo”, interpreta Saorsie. Peter Jackson é um diretor de muitos estilos, capaz de ser emocional e belo sem precisar salvar o mundo, ou a Terra-Média, no processo. É o seu olhar do paraíso que faz desse longa uma obra diferenciada e bem-vinda.

Por Fábio M. Barreto,
de Los Angeles

* Artigo originalmente publicado na Sci-Fi News, nas bancas!
**Para ler a entrevista com Peter Jackson, confira a revista MOVIE. Já nas Bancas.

A noite cai sobre a Inglaterra e a família Talbot é confrontada com a pior de todas as maldições. Uma vez mais, o cinema recria a lenda clássica de O Lobisomem (The Wolfman) e aposta na tecnologia moderna para dar mais vivacidade a uma das criaturas mais temidas do horror, entretanto é em emoção que o longa-metragem dirigido por Joe Johnston deixa a desejar. Um amor vazio, uma dúvida inexistente, uma família sem laços. Todos os problemas das inúmeras tentativas de edição ficam claros quando a Lua Cheia aparece. A monstruosidade é insuperável.

A licantropia é formidável. Provoca total transformação em suas vítimas, assim como abastece o entretenimento com idéias há gerações. Michael Jackson já virou lobo, Roque Santeiro tinha seu lobisomem, os videogames estão cheios deles e, claro, o cinema nunca perde a chance de retornar ao tema clássico – um assunto que sempre atiça a curiosidade. Pelo aspecto mais sério, é assustadora; pelo descontraído, pode gerar boas piadas. Por exemplo, quem não se lembra de Michael J. Fox, em O Garoto do Futuro (cujo título original faz muito mais sentido – “Teen Wolf”), descobrindo sua nova realidade no ambiente colegial. É o poder da genética que, aliado à força da Lua, atiça os hormônios masculinos e liberta verdadeiros monstros ou aberrações em meio a uma sociedade domada e feliz com sua falta de espontaneidade. Aspectos de reflexo social não faltam quando o assunto são lobisomens.

Muito por conta do arquétipo clássico do personagem: um homem bom, mordido por um lobisomem e que, invariavelmente, vai se transformar em monstro na próxima Lua Cheia. Com maquiagem e roteiro bastante simples, The Wolf Man chegou aos cinemas em 1941 por conta da Universal Pictures, que resolveu levar várias histórias de terror clássicas para as telas – entre eles O Monstro da Lagoa Negra, A Múmia e Drácula. Marcou época. Mas o mesmo não pode se dizer de sua nova versão O Lobisomem, de 2010, cuja validade pode ser facilmente questionada.

Se a versão clássica buscava basicamente estarrecer o público e trazer medos ancestrais – o mito do lobisomem existe em diversas culturas, sendo até mesmo relatado na Grécia Antiga – para o dia a dia de uma geração, a nova pouco realiza pelo aspecto psicológico. Por mais que se tente gostar de Lawrence Talbot, ele é indeciso. Aparentemente corajoso e bem resolvido, sua vida se revela como uma sucessão de fatos traumáticos iniciados pela morte da mãe e culminando com seu irmão ser dilacerado por uma criatura sobrenatural. A interpretação de Brad Pi… Benício Del Toro entregas poucos momentos relevantes e, por vezes, lembra a expressão e trejeitos de Pitt. Tão invariável quanto é Emily Blunt, prejudicada por um roteiro mal escrito para uma personagem gratuita.

Ela é a noiva do falecido, mas que, de acordo com a profecia cigana, poderá libertar Lawrence de sua maldição. O poder do amor. Entretanto, trata-se de um amor inexistente, cuja função é meramente satisfazer à necessidade do roteiro. Sem cenas de envolvimento, sem grande histórico no passado, sem razões para existir além do papel onde foi escrito.

O Lobisomem propõe a discussão sobre a natureza da monstruosidade, aos moldes do que fez Ang Lee com seu Hulk. Usa a boa índole de seu personagem principal para testar limites, lealdades e, inevitavelmente, provar a dor causada pela dor da consciência trazida pelas grandes revelações – tanto da vida quanto da trama. Entretanto, diferente de Lee, Johnston não cria uma atmosfera favorável a Lawrence, cuja amplitude emocional se perde em meio a tantos cortes, teorias e personagens pouco desenvolvidos.

Em meio a isso surge Anthony Hopkins, uma força descomunal dedicada a tarefas menores nessa produção. Há bons momentos entre Hopkins e Del Toro, mas ambos são incapazes de corrigir o irrecuperável. São os efeitos de uma redação insegura e uma direção incerta, cujas cenas parecem funcionar de forma independente, mas, reunidas, não justificam a obra. A campanha de marketing bem que tentou encobrir os problemas com uma das mais proativas e interessantes ações do ano – a imprensa recebeu jornais antigos, postais dos personagens e até mesmo uma bala de prata. Em tese, funcionou no primeiro fim de semana [prolongado, pelo President’s Day, na última segunda-feira], com faturamento de US$ 35 milhões, ficando em terceiro lugar nas bilheterias, abaixo de Percy Jackson e o Ladrão de Raios (segundo) e Idas e Vindas do Amor (líder).

Onde o homem termina e o monstro começa, prega o roteiro; indagação igualmente aplicável ao filme, pois onde a emoção termina e o exagero começa? Difícil responder, especialmente perante Anthony Hopkins ensandecido ou tão intensamente amargurado; Del Toro procurando apoio em meio a delírios e pesadelos; ou Emily Blunt procurando algo que ela mesma desconhece – amor, idolatria ou piedade? São elementos pouco complexos e inverossímeis para o público moderno, quem até mesmo para o público que se apavorou com a primeira aparição do homem lobo.

Os efeitos não comprometem. A trilha de Danny Elfman é ponto positivo. Diverte pelo exagero de suas mortes. Mas, não há como ignorar a sensação de que, quando notados os problemas na edição, tudo devesse ter sido reiniciado. De certas maldições, não há escapatória.

E a Lua Cheia brilha no céu.

Quem aí se lembra desse Cláaaaaassico da Sessão da Tarde? A Fortaleza!
O filme no qual um bando de seqüestradores malucos com máscaras de papai notel, rato, pato e outros animais bizonhos resolve raptar todas as crianças de uma escolinha no meio do nada na Austrália.

Com a ajuda do YouTube (e mais uma colaboração singular do Nando!), já revi metade do filme! Divirtam-se velhacos!
Molecada, é assim que se faz filme tosco com estilo, tá!? Aprendam!

Agora, prestem atenção em como a dublagem era supiiiiiiiiiiiiiiiiiimpa que só. Especialmente no começo da parte 2, com os gritos de alegria dos malfeitores canalhas! É hilário, mas no final o caldo entorna e a coisa fica muito soturna!

Acho que está na ordem certa. Plim-Plim!

E o final… pesado demais para a Sessão da Tarde, mas, enfim.

Há muitas regras envolvendo a cobertura cinematográfica em Hollywood, mas o que acontece quando apenas um dos lados pode agir como der na telha?

Não fará perguntas pessoais. Não divulgarás no Twitter. E, acima de tudo, não tirará fotografias. Esses são alguns dos mandamentos da complexa estrutura de divulgação de cinema aqui em Los Angeles. Regrinhas claras e bem sacramentadas entre os correspondentes de cinema. Quebrar algumas delas pode resultar em bronca de assessor durante a entrevista ou, em último caso, no banimento do jornalista de eventos futuros. Essas são as normas e quem quiser brincar precisa aceitá-las. Vez por outra alguém se aventura, mas, recentemente, foi o outro lado que resolveu abrir um precedente. Nunca imaginei, mas o que acontece quando um entrevistado resolve tirar fotos dos entrevistadores? O caso inusitado aconteceu na entrevista com Jason Reitman, diretor de Juno e possível indicado ao Oscar pelo fantástico Amor Sem Escalas, com George Clooney, que estréia hoje no Brasil.

Reitman [filho de Ivan Reitman, diretor de Os Caça-Fantasmas] chegou bem descontraído, cumprimentou a todos e, sem muita cerimônia, puxou seu celular e começou a tirar fotos de cada um dos repórteres presentes. Ninguém entendeu nada até que uma colega australiana, pouco antes de ser vítima da lente atrevida do cineasta, se constrangeu e pediu para ficar de fora. Afinal, para que um diretor de sucesso como ele precisaria, ou faria, com fotos de um bando de correspondentes? Pergunta válida e o surpreendeu.

Ele começou a se justificar que ninguém precisava participar, enquanto continuava fotografando os demais. Até que foi novamente interrompido. Constrangido, resolveu explicar. “Estou fazendo um vídeo na qual vou inserir todos os rostos que conheci durante a divulgação desse filme, que é algo descomunal”, disse, enquanto fotografava nossos gravadores. O estrago já estava feito. E de modo justificado. Quando um jornalista arrisca pedir para algum entrevistado tirar uma foto, a assessoria trabalha rápido e barra a tentativa. Mas, nesse caso, a situação relativamente inusitada – se ele está fazendo isso com todos, devia ter fotografado um mundaréu de gente antes do incidente, começando em Toronto, onde Amor Sem Escalas foi exibido pela primeira vez – era de se esperar que ele repetisse a dose.

Curiosamente, Reitman notou a mesma tendência exagerada do circo da mídia que este correspondente [leia o artigo Panela de Pressão: Hollywood, na Sci-Fi News e aqui no SOS Hollywood] e partiu numa jornada para mostrar – se ao mundo ou a quem comprar o DVD de Amor Sem Escalas, não se sabe, já que ele não detalhou tanto seus planos? – um dos aspectos de sua profissão. A idéia é ótima e ser abraçada por um diretor tão relevante quanto Reitman só reforça sua validade, mas há sempre a questão do uso de imagem e, acima de tudo, a cortesia de pedir ou informar sobre suas intenções.

Quando Sacha Baron Cohen solicitou perguntas por escrito semanas antes das entrevistas para Brüno – pois coreografaria todas elas previamente e apareceria como o personagem para os jornalistas – alguns integrantes da imprensa televisiva exigiram da Sony o comprometimento de que suas imagens não fossem inseridas na campanha de marketing. Havia receio de que o comediante utilizasse as entrevistas para tirar sarro dos jornalistas. Desejo respeitado, todo mundo saiu feliz.

No caso de Reitman, a fronteira foi cruzada sem aviso prévio. Há uma noção velada de que lugar de jornalista impresso é longe das câmeras, “nosso papel é fazer perguntas, não opinar ou aparecer” e alguns países levam isso bastante a sério. Especialmente colegas alemães e, depois desse, australianos. Em alguns casos, como em visitas aos sets de filmagem, os estúdios se preocupam com isso e distribuem autorizações de uso aos presentes. Assinar, ou não, é opcional, mas todo mundo acaba concordando.

E o que mais incomoda é o fato de que, de alguma maneira, Reitman pode fazer dinheiro com isso, ou ganhar mais fama, ou ser novamente elogiado. E nenhum dos envolvidos terá lucro com a situação. Afinal de contas, o que importa é o retorno: financeiro ou para o ego.

Fui o último – estava sentado ao lado direito do diretor, que começou a fotografar no sentido anti-horário – e gostei da idéia. Não reclamei da foto e quero só ver onde meu rosto vai parar [veja o resultado abaixo]. Agora fica a pergunta: se nós não podemos tirar fotografias por sermos meros jornalistas, quem disse que um entrevistado pode sem pedir ou se justificar? A fama ou uma noção dúbia de total liberdade por conta da hierarquia do momento?

A panela de pressão continua a soltar vapor sem sinais de diminuir o ritmo. Uma hora explode.

Lost In The Air: The Jason Reitman Press Tour Simulator from Jason Reitman on Vimeo.

*Apareci aproximadamente no 1m46.

por Fábio M. Barreto

A saga do povo Na’vi, de AVATAR, entra imediatamente para o rol de lições de moral brilhantemente aplicadas pela Ficção Científica, único gênero no qual um ateu convicto pode ser tão efetivo e preciso quanto o mais pio dos religiosos, quando se propõe a ver o mundo sem nossas limitações e pré-conceitos.

por Fábio M. Barreto,
de Los Angeles

*IMPORTANTE: antes de assistir a AVATAR, vi apenas um trailer e não li nenhuma crítica ou entrevista, justamente para garantir a experiência total e ser, ou não, afetado pela proposta de James Cameron. O resultado segue…*

Ao longo dos últimos meses, tenho indagado meus entrevistados com duas perguntas interessantes e, embora soem tolas, se mostraram fundamentais na noite de quinta-feira, 17 de dezembro, na sala 6 do Mann’s Chinese, em Hollywood. Por conta dos efeitos da internet, do aumento das bilheterias de cinema e da, cada vez maior, penetração da linguagem visual no modo de se comunicar de nossa sociedade, fiz essas perguntas: “o cinema tomou o lugar da literatura quando se trata de espalhar conceitos e idéias? e “perdemos a capacidade de assistir a um filme pelo que ele é, já que marketing é tudo hoje em dia?” Em resposta à primeira pergunta, Denzel Washington contou, semana passada, que obstante ao sucesso do cinema, ele continua lendo e acredita que isso não vá mudar, mas são as adaptações que, realmente, espalham a mensagem dos livros. Mas foi um argumento à segunda questão que me intrigou. Conversei com Robert Rodriguez na última segunda-feira, dentro do Troublemaker Studios, e ele definiu a situação de forma curta e perfeita: “entro num cinema e faço de conta que sou uma criança de 12 anos e deixo o filme me surpreender”. Sem querer, havia aplicado o método Robert Rodriguez a AVATAR, projeto dos sonhos de James Cameron, que estréia hoje em todo o mundo. Porém, com um custo alto: isolamento.

Depois de encarar um 2008 sobrecarregado com gargalhadas coringuescas por conta de O Cavaleiro das Trevas, e mesmo assim tendo me maravilhado pelo filme; e de ter sofrido com a frustração extrema de O Exterminador do Futuro – A Salvação; era hora de deixar o marketing de lado e confiar nos diretores. Por (in)felicidade das circunstâncias, fiquei de fora da divulgação de AVATAR – por sorte, entrevistei Sigourney Weaver por conta de outro projeto – e optei por não me informar sobre o filme. Minha paixão pelo cinema começou por conta de um trailer – O Retorno de Jedi – e não precisei de nenhuma campanha de marketing para transformar a telona no meu paraíso particular. Os deuses da Sétima Arte estavam ao meu lado, mesmo sem eu saber. Aliás, confesso, nutria grande dúvida e insegurança quanto ao resultado do novo trabalho de James Cameron.

Após um começo descontraído, com um dos presentes gritando “finalmente! 20 anos depois!”, travei meu primeiro, e ideal, contato com AVATAR. Belíssimo, levemente vertiginoso – culpa dos irreparáveis óculos 3D customizados produzidos pela Coca-Cola & RealD – e com trilha sonora encantadora. Eis que o planeta Pandora irrompe na tela, com os primeiros elementos de uma história aparentemente básica. Um irmão genial morreu. Seu gêmeo, militar resoluto, toma seu lugar. Jake Sully surge. É o herói. É Sam Worthington. Nosso guia por um novo mundo – de visual arrebatador e de poder emocional ao mesmo tempo sublimar e irresistível.

E é em sua história que reside a grande surpresa de AVATAR. Claro que visualmente é marco tecnológico e, até certo ponto, revolucionário, mas essa discussão se torna redundante a partir do momento que você, caro leitor, se ver diante daquele deslumbre cinematográfico. Uma mescla das duas perguntas mencionadas no início surgiu por volta da segunda hora de projeção. O público se vê diante de uma grande história – e não de uma história grande, importante ressaltar – com irrefutável atualidade e efeitos comportamentais que transcendem sua natureza cinematográfica.

Fosse escrita em formato de romance, a trama de AVATAR seria imediatamente comparada a As Duas Torres, de J.R.R. Tolkien, e, pior, ganharia a conotação de livro para ambientalista ou pagão deslumbrado. É a dura realidade de uma cultura dependente da referência obrigatória, incapaz de se desligar como a criança escondida na mente de Robert Rodriguez, e do ciclo dinâmico de opiniões da internet que não afetam Denzel Washington, mas que, cada vez mais, divulgam seu trabalho. A saga do povo Na’vi entra imediatamente para o rol de lições de moral brilhantemente aplicadas pela ficção científica, único gênero no qual um ateu convicto pode ser tão efetivo e preciso quanto o mais pio dos religiosos, quando se propõe a ver o mundo sem nossas limitações e pré-conceitos.

James Cameron tomou o lugar uma vez ocupado por J.R.R. Tolkien, na era da literatura, e superou George Lucas de forma gloriosa na era do áudio-visual. Faz isso ao recuperar um argumento latente e urgente seja no trabalho de Tolkien, seja na complexa e longeva A Fundação, de Isaac Asimov: consciência. Por trás de toda a roupagem do militarismo – extremo, mas superficial – e do conflito entre duas raças, mentalidades se digladiam. Seja o pensamento corporativo, já trabalhado pelo próprio Cameron em Aliens – O Resgate [lembram do personagem de Paul Reiser?], ou a descarada paixão dos cientistas pelas belezas do planeta Pandora, nem mesmo os personagens percebem a verdadeira intenção por trás dessa história.

A floresta de Pandora é a mesma Galáxia Vida, de Asimov, assim como ambas são o mesmo espírito de Fangorn, de Tolkien. Um detalhe meramente visual ou alegórico para alguns, mas indispensável numa história relevante e inesquecível. O desenvolvimento desse conceito acontece de forma gradativa e secundária, mas seu ápice pode provocar emoções incontidas, especialmente quando ligado ao segundo tema principal: segunda chance. Unindo tudo isso, trata-se de uma segunda chance para a consciência. Tudo com grande valor dramático, explicando aí a indicação do filme ao Globo de Ouro de Melhor Drama. AVATAR falha ao empolgar em sua primeira hora de projeção, mas essa nunca foi sua premissa, em termos de roteiro, claro. Visualmente a audácia é imediata.

Comparar James Cameron aos mestres previamente citados é algo arriscado, mas tal mérito surge justamente do arrojo compartilhado por todos eles. Entretanto, diferentemente de Tolkien e Asimov, Cameron será julgado imediatamente pelas bilheterias. Na internet, se espera o “melhor filme de todos os tempos”, no mundo offline, de acordo com a Fox, ainda há insegurança e as indicações ao Globo de Ouro ajudaram a acalmar os ânimos. De tudo isso, uma certeza: é uma história memorável. Sem isso, toda a mistura de captura de performance, com CGI e as filmagens em 3D não passariam de exercício visual. Outro dia, Jason Reitman tentou dar uma de espertinho quando perguntei a ele sobre 3D “qual a graça de usar isso em drama? Alguém pagaria para ver uma lágrima caindo na tela”; bem, utilizado como linguagem, esse tipo de filmagem valoriza – e muito – drama. Cameron mostrou como isso deve ser feito, logo AVATAR é muito mais que um quitute apenas para os olhos. E o filme próprio ensina o espectador a compreender sua função. Os Naa’vi “se vêem” – muito além do sentido sensorial -, respeitam seus irmãos de consciência e aprendem que escutar e compartilhar o mundo a sua volta é tão primordial quanto ouvir a voz de seus ancestrais. O modo como eles mantém a conexão com os animais e sua deidade é poético e belo.

A vocação espiritual de AVATAR é grandiosa e não intrusiva. O pensamento está exposto na tela, aproveita quem quiser… e puder. É realmente uma cornucópia de conteúdos e mensagens, não necessariamente originais, mas apresentadas de forma revitalizada. Com a saturação de histórias e suas inúmeras aplicações no entretenimento moderno, fica cada vez mais clara a tarefa dos grandes contadores de histórias: reavivar temas relevantes e mantê-los atraentes à sociedade.

Estamos diante de um novo mundo, provido com leitores digitais de livros e a cultura do IPod, e resta à mais jovem das artes liderar o caminho em direção à percepção. Enquanto políticos discutem inconclusivamente o destino do planeta, James Cameron nos leva para o futuro – na metade do século 22 – e, sem uma bomba atômica ou ciborgue assassino sequer, alerta, assusta e conscientiza. Uma segunda chance é necessária. Principalmente para a mente do espectador, incapaz de “ver” e indisposta a reaprender. Mestre Yoda já dizia: “você deve desaprender o que já aprendeu”. James Cameron entendeu o recado, George Lucas se esqueceu, e o cinema se encontra com um de seus gênios. Pandora é o novo planeta dos sonhos.

Um lugar para sonhar… e recomeçar.

E me manter alheio a tudo que era dito e mostrado sobre AVATAR foi a melhor decisão do ano.

Comente, deixe seu depoimento sobre o que sentiu assistindo ao filme, compartilhe suas emoções! Boas ou ruins! =D

Visitei os estúdios em Burbank com exclusividade; o resultado você lê a seguir: é uma das histórias mais lindas já desenhadas.

Era uma vez, há 20 anos… uma princesa, seu nome era Ariel e seus cabelos vermelhos e corpo de sereia entraram rapidamente para o rol das Princesas Disney. Duas décadas mais tarde, a mesma equipe retorna à Walt Disney Animation e reencontra o caminho dos contos de fadas clássico e constrói sua nova integrante da realeza: Tiana, a primeira princesa negra do estúdio. Mais que isso, é o retorno à animação tradicional, inspirada diretamente no estilo de Walt e, agora, mais que nunca, incorporado por John Lasseter. Impossível não se apaixonar por tanto primor, ótima presença musical e toda a influência da música de Nova Orleans.

Assisti os primeiros 30 minutos apresentados pelo diretor John Musker e fiquei de queixo caído. Semanas depois, assisti ao filme, ao lado de minha esposa e filha, e foi um arraso. A dobradinha John Musker/Ron Clements foi responsável por A Pequena Sereia e Aladdin, dois dos maiores clássicos da Disney, mas deixaram a companhia durante o nefasto período de decadência. “Voltamos por causa de John [Lasseter]”, comenta Musker, sempre descontraído e sincero. “Naquele momento, a Pixar pensava mais como Disney do que a própria Disney. A empresa havia deixado de liderar e se limitava a seguir tendências, seja no estilo de histórias, seja no modo de produção”, critica. “A porta estava fechada para nosso estilo naquele momento. John recuperou tudo isso.”

Retornaram para retomar os contos de fadas e também revitalizar o panteão das princesas. Tiana surge como a primeira princesa de classe operária, um conto totalmente norte-americano e, mesmo que de modo distante, socialmente engajado. “A Princesa e o Sapo é essencialmente um conto de fadas norte-americano, mas analisado por uma perspectiva diferente e, de certa forma, adaptando esses conceitos para os tempos modernos; basicamente, colocando o pé no chão, sem deixar de sonhar”, analisa Clements. Ela flerta com os temas de Cinderela, mas, mesmo depois de conhecer seu eventual príncipe, mantém seu objetivo fixado em sua carreira. De certo modo, ela representa a independência e garra feminina. Musker complementa: “nenhuma princesa anterior teve um pai como o de Tiana, ele incentiva sua filha a sonhar, mas deixa clara a necessidade da ação para realizar esses sonhos, não existe o príncipe encantado chegando num cavalo branco na vida dela, especialmente se ela ficar em casa sem fazer nada”.

Tiana é deslumbrante. Tem charme e simpatia em suas vestimentas habituais – avental de garçonete, para ser específico – e deixa o público de boca aberta quando se aventura com uma fantasia de princesa. Porém, o melhor figurino fica para o final. Um vestido de noiva mantido em sigilo total. Mas o simples fato da personagem ser negra causou rebuliço, especialmente na internet, pois os críticos exagerados e internautas questionaram a cor da pele de Tiana. “Debatemos muito a questão da tonalidade de cor dos personagens afro-americanos. Tiana sempre foi desenhada com a mesma coloração, mas algumas pessoas confundiram a cor original com variações provocadas por materiais impressos”, justifica Clements. Acompanhei o processo de produção nos últimos dois anos e nunca notei tal modificação. “Na verdade, o personagem de cor mais clara nesse filme é Dr. Facilier [o golpista vodu da história], que é mais facilmente identificado como mulato do que negro. Tomamos muito cuidado para não estereotipar Tiana. O mesmo vale para seus traços, totalmente desenhados com base no biotipo afro-americano, nada de aproximação com caucasianos ou elementos externos.”

O aval de Anika Noni Rose, de DreamGirls, responsável pela voz da personagem foi total. “Anika adorou, mas exigiu duas coisas: que Tiana tivesse bumbum saliente (risos), e fosse canhota, assim como a atriz”, brinca Musker, impressionado com a performance ao vivo de Anika durante a Expo D23, realizada em Anaheim, em setembro. Comentei esse espetáculo musical na cobertura do evento, quando a moça cantou mesmo sofrendo com um forte resfriado. “Sua experiência teatral foi fundamental ali; ela consegue projetar sua voz em grandes espaços, e, no caso do filme, acertou o tom com rapidez nas gravações”.

A princesa Tiana é multidimensional, enquanto sua melhor amiga, a mimada Charlotte, uma espécie de “Princezilla” [Princesa + Godzilla], pois levou a idéia de conto de fadas um pouco a sério demais. Seu pai é um magnata dublado por John Goodman, perfeito para o papel por seu físico, aspecto cultural e de experiência também. Morador de Nova Orleans, Goodman compreende perfeitamente as demandas de seu objeto e interpretou esse papel no teatro, em adaptações de Tennesee Williams.

ORIGENS
A Princesa e o Sapo é um conto de fadas com a reviravolta inesperada. Confrontada por um sapo que se diz príncipe – enganado por um traiçoeiro feiticeiro vodu, Dr. Facilier –, a heroína segue as regras do livro e beija a criatura. Ou quase, pois, como ela não é princesa de verdade, logo, beijar o batráquio não o liberta do encanto e, ainda por cima, transforma a mocinha numa esguia sapinha. A partir daí, sai pulando em busca de algo para quebrar o feitiço.

Vão parar nos pântanos da Louisiana, encontram um crocodilo trompetista apaixonado por jazz e frustrado por não poder tocar com os grandes mestres da música. As Jam sessions do príncipe Naveen com o jacaré embalam as viagens pelo brejo, onde eles precisam encontrar Mama Odi, uma famosa feiticeira. É num desses momentos que o trio conhece Ray, um vaga-lume caipira metido a engraçadinho e sua família luminosa. A seqüência é estonteante e emocionante. Milhares de luzes invadem a tela e, como uma estrada de tijolos amarela, mas cheia de vida e movimento, guiam os personagens.

“Disney e Pixar estavam trabalhando em adaptações dessa história simultaneamente, a primeira mais infantilizada, já a outra mais moderna, acontecendo em Chicago. Ambos empacaram. John [Lasseter] nos chamou e pediu idéias. Seguimos uma terceira opção, misturando elementos dessas tentativas e mostramos um conceito em 2006, era praticamente um musical”, comenta Clements. “Lasseter é o ‘Pai’ da animação computadorizada na Pixar, mas é apaixonado por desenhos tradicionais, e ficou muito feliz quando sugerimos em 2D”, lembra Musker.

Além do estilo dos diretores, a responsabilidade de se criar uma nova princesa influenciou a escola de linguagem. “Animação tradicional soava melhor para criarmos uma nova princesa. Dá charme e elegância. E Tiana ter os mesmos atributos técnicos, qualitativos e identidade que Branca de Neve, Bela Adormecida, Ariel e as demais personagens clássicas. Utilizar o desenho 2D – seguindo exatamente os ensinamentos de Walt Disney – parecia o mais certo para ela, afinal, agora Tiana faz parte dessa família para sempre. Não parecia certo fazer, ao mesmo tempo, a primeira princesa negra e também a primeira princesa 3D”, contextualiza Clements. “Tiana é um modelo anti-conto de fadas, aliás. Há dois tipos: aquelas nascidas na realeza – Branca de Neve, Ariel e Bela Adormecida; e outras que se tornam princesas – Bela e Cinderela. Todas têm um sonho, mas o sonho de Tiana é continuar trabalhando, em sem próprio restaurante, claro. Ela não acredita no conceito de fada madrinha”.

Em A Princesa e o Sapo, reina a realidade do povo trabalhador e a verdadeira mágica está no balanço e aprendizado tanto de Naveen quanto de Tiana, dois extremos – trabalho e boêmia – aproximados pelo acaso e cujo destino está num encontro inevitável num meio termo profissional e pessoal, lugar mágico onde as grandes paixões terminam e o amor começa. Filme estréia hoje no Brasil.

Por Fábio M. Barreto
De Los Angeles

*Texto originalmente publicado na Sci-Fi News, 141.

Lunar (Moon) é simplesmente brilhante. Parece que a Ficção Científica foi acordada do sono profundo e saiu de seu devaneio assombrado por blockbusters explosivos. É hora de pensar, questionar e evoluir, especialmente quando Sam Rockwell dá um show de interpretação como esse.

Ao longo da história do cinema, poucos atores foram capazes de entreter as platéias sozinhos. Tom Hanks e Will Smith são alguns exemplos recentes, mas Sam Rockwell entrou rapidamente para esse grupo ao dar um espetáculo em Moon, ficção científica comportamental do melhor calibre dirigida por Duncan Jones, filho de David Bowie. A ligação não poderia ser mais bem vinda e Moon surge como o “homem das estrelas/que gostaria de nos encontrar/mas acha que vai sobrecarregar nossas mentes”.

No ano dominado por Distrito 9, a ficção científica encontra em Moon seu melhor representante. A ausência de cenas de ação, armas mirabolantes ou mesmo demandas apocalípticas podem ter retirado as pretensões comerciais e com isso diminui as chances de um lançamento nos cinemas brasileiros, mas é justamente isso que transforma esse drama em algo memorável.

O roteiro, também assinado por Duncan Jones, presa pelo debate aberto e intenso da natureza humana. Para canalizar essa discussão, ele nos apresenta ao já icônico Sam Bell (Sam Rockwell, de O Guia do Mochileiro das Galáxias), único morador da estação de captação de energia na Lua, instalada após a descoberta de uma nova fonte, extraída do solo lunar. Sam é seu único tripulante. Tem por companheiro a voz serena de GERTY, uma inteligência artificial dublada por Kevin Spacey.

Eles têm uma relação curiosa. GERTY devota sua existência a salvaguardar a vida de Sam, cujo contrato de três anos está prestes a terminar. Ele poderá voltar para casa. E para sua esposa e filha. Mas um acidente muda tudo. É o nascimento do Homem da Lua, uma espécie de filho das estrelas, cuja consciência – por mero acaso ou obra do destino – se distancia de seus anos anteriores.

Mergulhar nesse modo de pensar e agir, assim como na nova natureza de seu relacionamento com GERTY se torna tarefa viciante durante a projeção, e, claro, um passeio de referências pelo gênero. Óbvias, porém não indispensáveis, citações a 2001 – Uma Odisséia no Espaço, Alien – O Oitavo Passageiro, Blade Runner, Solaris (ambas as versões), Guerra nas Estrelas, ao recente Sunshine – Alerta Solar e, claro, às canções Space Oddity e Starman, de David Bowie. Mas nada disso o transforma numa cópia ou mera colcha de retalhos.

A identidade de Moon é latente especialmente por sua narrativa direta, auto-consciente e sem a necessidade de grandes reviravoltas. Segredos e surpresas existem, entretanto, é nas reações de Sam Bell que reside a força desse longa-metragem.

Homem de família; astronauta esgotado pelo isolamento; sujeito simples e sem super-habilidades. Isolado por conta de um problema no sinal do satélite, que só permite o envio e recebimento de mensagens gravadas, aos poucos, Sam descobre sua verdadeira natureza, confronta seus erros de modo inusitado e atinge um nível elevado de conhecimento. Nada de nirvana ou ascensão dimensional, mas sim o simples reconhecimento de sua função. Sua razão de ser. Ele não descobre o “Sentido da Vida” dos Python, mas encontra sua própria verdade. E não há conhecimento mais poderoso que a verdade.

Essa situação torna a vida de Moon muito mais fácil em termos narrativos, justamente por não precisar de grandes estratagemas para se resolver. Um indivíduo pode ter tantos conflitos quanto toda a Humanidade, mas, de forma isolada, suas chances de evolução/compreensão se ampliam.

Pura questão de foco. E isso não falta, seja na trajetória de Sam quanto no desenrolar de sua relação com GERTY – que não toma o lugar de Hal 9000, mas chega imediatamente ao topo das inteligências artificiais mais relevantes da história do gênero. Ele se comunica por meio dos “smiles” da internet. Genial!

Tudo isso para uma conclusão bombástica. De certo modo, trata-se do mesmo Sam, mas sua mente se distanciou das demais. É sua hora de se revelar e sobrecarregar nossas mentes. Chega de esperar entre as estrelas. É brilhantismo puro.

por Fábio M. Barreto, de Los Angeles

Lunar será lançado direto para DVD no Brasil, em 6 de janeiro, pela Sony.

Lopez Tonight é o primeiro talk show diário apresentado por um latino, George Lopez, mas é tão desinteressante e útil quanto seus concorrentes “caucasianos”.

George Lopez é uma figura conhecida, respeitada e influente nos Estados Unidos, principalmente na comunidade latina. É o comediante latino mais bem-sucedido do país; odeia Eric Estrada, que estereotipou os latinos; estrelou uma sit com latina por alguns anos e, hoje, depois de ter gravado especial de stand up comedy para a HBO, e aparecer no especial Latino in America, da CNN, é o primeiro apresentador latino de um talk show, o Lopez Tonight, exibido pela TBS. O termo latino foi repetido diversas vezes nesse parágrafo da mesma forma como Lopez o utiliza ‘como se fosse vírgula’ em seu linguajar.

Tudo é latino: o jeito de ser, de falar, as piadas e, claro, a platéia composta por mulheres maquiadas de forma exagerada e, por vezes, grosseira [as ‘chola girls’] e homens capazes de rir histericamente do ‘boa noite’ do apresentador. O orgulho perde as estribeiras e o exagero desregrado entra em cena. É o estilo George Lopez – sempre cheio de caretas e piadas escatológicas -, que tem certeza de sua fam e conceitos, mas não consegue se diferenciar positivamente de David Letterman, Jay Leno, Connan O’Brien e Cia. Ao longo das primeiras semanas de exibição, o programa Lopez Tonight entrou com força em termos de convidados. Lopez é bem relacionado, ajudou muita gente em sua carreira e merece elogios por sua comédia. Batalhou e venceu. Qualitativamente, parece ter jogado a cartada errada com seu talk show. Ou não, basta olhar com os olhos ‘latinos’.

Uma das características desses programas são as entrevistas fúteis [o elenco de Lua Nova ou mesmo a última visita de Bill Murray ao programa de David Letterman, por exemplo], às vezes surpreendentes [Joaquin Phoenix, também no David Letterman]; a abertura engraçadinha; e a banda ao vivo. Lopez Tonight tem tudo isso, mas com o sabor latino (impossível passar um parágrafo sem usar o termo, é quase mnemônico). Dançarinas latinas – há! – passam o programa todo sendo sensuais num mini-pódio, enquanto as câmeras fazem questão de prestigiar a “beleza latina” da platéia. Se a saída das high schools já é um festival de estilo exagerado, muita maquiagem, roupas esquisitas e mechas, imaginem quem as mães dessas meninas resolvem se produzir? É quase um baile de carnaval. Ratinho morreria de inveja.

Todos ali para prestigiar o espírito latino e, claro, para ouvir as piadas latinas de George Lopez. E ver os famosos, claro. Seus entrevistados são de calibre invejável: Kobe Bryant (que dificilmente participa desse tipo de programa), Eva Langoria, Charlie Sheen, Jamie Foxx, Slash, Demie Lovato e Sandra Bullock são alguns dos exemplos. Até Carlos Santana participou com sua guitarra latina. Lopez não surpreende e pouco agrega com suas conversas, normalmente focadas na relação do apresentador com seu convidado ou, claro, algo envolvendo latinices.

Se você leu até aqui e não se irritou com tanta repetição do termo latino [incidência muito menor que no programa, aliás], entenda a principal razão disso: latino é considerado etnia nos Estados Unidos. Em muitos casos, os brasileiros são considerados latinos por conta da cor da pela, ou seja, se não é claramente causasiano de pele clara, as chances de você ser chamado de/considerado latino até mesmo em repartições públicas ou pela polícia são gigantescas. Há diversos relatos de brasileiros que são obrigados a preencher documentos oficiais como “latino” em vez de caucasiano pelo simples fato de termos nascido na América do Sul. É uma guerra interna, dos imigrantes latinos contra os brancos e negros. Todo mundo é envolvido, passiva ou ativamente. Sem exceções.

Isso explica a insistência de Lopez ao enfatizar sua postura sócio-política, mesmo quando faz piada sobre o fato dos burritos de verdade – aqueles feitos no México, logo, latinos – te fazerem peidar logo na primeira mordida e criticar os “wraps” norte-americanos. Ser latino é coisa de raiz para Lopes – mesmo ele não sendo imigrante direto – e levado muito a sério. Ele não faz muito segredo sobre seu desejo de ver sua raça comandando o país. E tem razões para pensar assim: os números populacionais impressionam; o espanhol é a segunda língua mais falada; a base da força de trabalho é latina; e, claro, seu programa está no ar. Como duvidar esse tsunami sócio-cultural?

Os talk shows noturnos costumavam variar de acordo com faixa financeira, afinal, cada um dos apresentadores mirava num tipo específico de público. Agora, não existe mais a diferenciação entre as piadas de Jimmy Kimmell e as piadas de Jay Leno; Lopez trouxe a raça para a mesa de negociações e aposta na população latina para se manter no ar. As chances são grandes de que dê certo, afinal, só mesmo os latinos para atirarem tantas piadas internas e a repetição do bendito nome.

Enquanto brasileiros do Twitter reclamam da “maldita inclusão digital”, Lopez abraça o fenômeno e o utiliza abertamente. Na semana passada, ele recebeu Sandra Bullock e a atriz foi ridicularizada numa “brincadeira” com a mulher do vídoe abaixo (a tal de Chola Girl, gíria para “maloqueira latina”), uma desbocada mal-educada – basicamente uma pessoa chula e sem noção – que ofendeu o estilo visual da atriz e a “transformou” numa latina. Claro que Sandra concordou, mas não precisava bancar a ridícula na semana de estréia do melhor filme de sua carreira – The Blind Side.

Veja o vídeo: